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Mes: julio 2014

Este ingenioso truco de cámara reinventa el efecto zoom de Hitchcock

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Si has visto la película Vértigo, de Alfred Hitchcock, recordarás el mareante efecto zoom que el director utilizó insistentemente en el film. Es una técnica conocida como travelling compensado, que consiste en combinar un zoom hacia atrás con un travelling hacia delante, o al revés. Ahora, el fotógrafo francés Micaël Reynaud ha combinado ese truco con otra técnica de fotografía llamada slit-scan para crear el psicodélico efecto que ves en la imagen de arriba.

El travelling compensado fue una técnica ideada por Irmin Roberts, cámara de Paramount Pictures. No solo la utilizó Hitchcock en varias de sus películas, también lo hemos visto en decenas de films, incluso recientes como El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo.

Lo que ha hecho Raynaud ahora es combinar esa técnica con la de slit-scan, que consiste en extraer una línea vertical u horizontal de píxeles de cada frame de un vídeo para combinarlas con la imagen original y crear un nuevo vídeo.

Para entendernos: debajo tienes el efecto de travelling compensado utilizado en películas como Vértigo, Psicosis o Apolo 13:

Y este es el efecto de slit-scan, explicado mediante la app Slit-Scan disponible gratis en el App Store:

Si combinamos ambas técnicas, obtenemos el hipnótico resultado ideado por Micaël Reynaud:

¿Qué es la tecnología 4k?

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La tecnología 4K que integran los televisores más novedosos consiste en una mejora de la resolución de la imagen, que cuadruplica la ofrecida por la alta definición (HD) y alcanza los 3840×2160 píxeles, por lo que también recibe el nombre de “Ultra HD”. Este prometedor formato se encuentra ya al alcance del público masivo y no solo al del geek, debido a la extraordinaria bajada de los precios de los monitores y a que cada vez más hogares han sustituido el TDT por la fibra óptica, soporte a través del cual se transmite la señal. Los expertos auguran que para 2015 se habrá implantado en todos los hogares.

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La resolución 4K (bautizada así por estar próxima a los 4.000 píxeles) se alzó como protagonista indiscutible del Consumer Electronic Show de 2014; la feria de tecnología más importante del mundo. Las grandes compañías informáticas presentaron allí los primeros monitores con resolución 4K cuyo precio ronda los 500 euros, frente a los 2.000 euros que cuestan los modelos actualmente en venta. Las empresas productoras de contenidos televisivos, como es el caso de Netflix, también se han subido al carro de la hiperrealidad al empezar ya a rodar con dicha resolución, si bien la reemisión de estos a través de internet no será fácil, pues la infraestructura de las redes normalmente no dispone de las velocidades de transferencia necesarias.4k1

Esta mejora nace como alternativa a la olvidada televisión en 3D, que no obtuvo éxito a causa del alto coste de producción de los contenidos y a la escasa ergonomía de los dispositivos de visualización. El estreno de salida del 4K fue el Mundial de Brasil 2014, que transmitió íntegramente en este formato.

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Nuevas resoluciones en video

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Hace ya un año que se habla de televisores o pantallas en general de mayor resolución, no nos quedamos en el habitual “Full HD” sino que empezamos a barajar otras resoluciones como 2K, UHD, Quad HD, 4K… Por otro lado parece que en 2014 es cuando realmente empieza la popularización de televisores y dispositivos con resoluciones superiores a los 1.920 x 1.080 del Full HD y sin embargo, parece que hay mucha confusión con respecto a estas nuevas calidades y más todavía sobre el aumento de calidad “real” que hay sobre el ya “obsoleto” Full HD.

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4K, UHD, 2.160p…

En realidad, 4K no es una resolución exacta sino que hace referencia a distintas resoluciones que tienen alrededor de 4.000 píxeles de resolución en horizontal. Así, por ejemplo, en el terreno de los televisores, el 4K que han adoptado la mayoría de los fabricantes es el formato UHD que es básicamente como juntar cuatro televisores Full HD (cada uno con 1.920 x 1.080) para obtener una pantalla con una resolución de 3.840 × 2.160 píxeles (con una imagen de 8,3 MP) y una relación de aspecto 16:9, que es la misma que tienen los actuales televisores. Esta resolución también se denomina 2.160p, del mismo modo que el Full HD se denomina en ocasiones 1.080p haciendo referencia a la resolución vertical y la “p” que hace referencia al barrido progresivo (en contraposición al barrido entrelazado que tienen algunos formatos para televisión, el llamado 1.080i).

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Quad HD

Antes de alcanzar esta resolución, hay un paso intermedio, las llamadas 2K o quad HD que es hacer la misma operación de multiplicar por cuatro, pero en lugar de la resolución Full HD, hacerlo con el HD 720 que es en realidad 1.280 x 720 píxeles. Esta resolución es de 2.560 x 1.440 píxeles y es la que empezamos a ver en algunos smartphones como el Vivo XPlay 3S y será la que alcancen probablemente smartphones como el Galaxy S5 o el Xperia Z2.

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Resoluciones 4K con TV ¿Televisores 4K o UHD? Descubre las diferencias

DCI 4K

Por último hay una resolución, adoptada como el estándar para el cine digital por el consorcio “Digital Cinema Initiatives” (de ahí el nombre DCI 4K) que se sitúa en los 4.096 x 2.160 píxeles (con una imagen de 8,8 MP) y una relación de aspecto de 17:9. Esta resolución la superan algunos modelos como los gigantescos televisores presentados por Samsung y LG en la feria CES de Las Vegas con pantallas de 105 y 110 pulgadas que alcanzan resoluciones de 5.120 x 2.160 píxeles y con formato de imagen 21:9.

8K ¿El futuro?

Por último, cuando empieza a extenderse una calidad, los fabricantes ya están preparando y desarrollando su sustituta y empresas como Sharp ya han mostrado en CES un prototipo de un televisor con resolución 8K (7.680 x 4.320 píxeles) que hace que las imágenes parezcan estar moviéndose en una gigante hoja de papel luminosa. Así, cuando por fin tengas tu televisor 4K, no se te ocurra pensar que tardará mucho en quedarse “antiguo”.

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¿Pero hay tanta diferencia de calidad entre el Full HD y los 4K?

Esta es sin duda la pregunta del millón que muchos se hacen cuando se empiezan a interesar por los televisores 4K o UHD. Y la respuesta es parecida a lo que ha sucedido en estos años con nuestros televisores Full HD. Y es que la calidad depende no sólo de la resolución del panel sino de la calidad de los contenidos y de que nuestros otros dispositivos y elementos puedan también estar a la altura. Por el momento, los reproductores Blu-ray e incluso los conectores HDMI actuales no pueden hacer frente a la velocidad de datos necesaria para transmitir las películas sin una muy elevada compresión, lo que significa que la ganancia de calidad no será tan espectacular como puedes pensar. Así, no sólo habrá que esperar a que los contenidos se produzcan y codifiquen pensando en este formato, sino que el resto de tus dispositivos: reproductores, ordenadores o dispositivos “set top” (tipo Apple TV) sean capaces de manejar esta nueva resolución con soltura.

Los 10 mejores planos secuencia de la historia del cine

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Un plano secuencia es, en el cine, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado, pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición de un escenario. Se puede utilizar para un efecto dramático y narrativo si se hace correctamente, y en tomas en movimiento a menudo se logra mediante el uso de una plataforma rodante o una Steadicam.

A propósito de ello, hemos decidido realizar un top 10 con los mejores planos secuencia de la historia del cine. Una lista en la que aparecen nombres como Orson Wells, Martin Scorsese, Alfonso Cuarón o Quentin Tarantino es para considerarlo. Aun con todo, y como dice el popular dicho, “no son todos los que están, ni están todos los que son”, pero aquí están:

HIJOS DE LOS HOMBRES (2006)

Director: Alfonso Cuarón.

Cinco actores, un coche y una cámara en movimiento. El magistral plano secuencia del mexicano Alfonso Cuarón es un ejercicio de estilo cinematográfico excepcional. Unos movimientos de cámara horizontales y de 180 º, junto a numeroso grupo de extras que aparecen de repente en el bosque, componen una de las escenas de acción más intensas de las últimas décadas.

BOOGIE NIGHTS (1997)

Director: Paul Thomas Anderson.

En este plano secuencia, Paul Thomas Anderson nos presenta los alrededores del club nocturno con unos movimientos de cámara diagonales, seguido de un seguimiento con steadicam al cadillac que conduce Burt Reynolds, y una introducción en el ambiente, las fiestas y los bailes del club.

SED DE MAL (1958)

Director: Orson Wells.

Uno de los planos secuencia más famosos del cine a cargo del maestro Orson Wells. Un ejemplo de sincronización, tanto de actores y extras como de los automóviles que circulan por el pequeño barrio situado en la frontera entre México y Estados Unidos.

EXPIACIÓN, MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN (2007)

Director: Joe Wright.

Joe Wright sigue a James McAvoy en otro ejemplo de coordinación y coreografía con elementos que incluyen disparos, pirotecnia, vehículos, efectos especiales, cantos y diálogos que funcionan y encajan a la perfección.

LA INVENCIÓN DE HUGO (2011)

Director: Martin Scorsese.

El plano secuencia que cierra La Invención de Hugo filmado por Scorsese. Movimientos de cámara perfectos y sincronización de actores todavía mejor. Este vídeo es un detrás de las cámaras realmente espectacular.

TOM YUN GOON (THE PROTECTOR) (2005)

Director: Prachya Pinkaew.

La película Tailandesa dirigida por Prachya Pinkaew contiene uno de los planos secuencia más espectaculares que se hayan visto. En concreto, esta pelea en un restaurante de varios pisos. Golpes, patadas, sillas voladoras…espectacular.

EL SECRETO DE TUS OJOS (2009)

Director: JUAN JOSÉ CAMPANELLA

Tardaron en rodarla tres días por la complejidad de su grabación. Recuerda que lo más complicado de todo fue tirarse desde una altura de cinco metros; con cameraman y todo. Estaba sujeto por varios operarios mediante un arnés y cuerdas, y estaba todo calculado al milímetro.

UNO DE LOS NUESTROS (1990)

Director: Martin Scorsese.

Scorsese filma con steadicam a Ray Liotta y Lorraine Bracco en su entrada al restaurante. Ambos personajes entran por la puerta trasera y recorren todo el local hasta llegar al escenario. Esto nos permite descubrir el interior del mismo (la cocina, los pasillos…) y el ambiente que se respira dentro.

KILL BILL VOL. 1 (2003)

Director: Quentin Tarantino.

Un travelling que comienza en la pista de baile y sigue a Uma Thurman hasta los lavabos del restaurante propiedad de O-Ren Ishii (Lucy Liu) con continuos movimientos de cámara horizontales y diagonales.

OLDBOY (2003)

Director: Park Chan-wook

Travelling lateral con la famosa escena del corredor en Oldboy. La escena de la pelea se rodó diecisiete veces durante tres días, y fue toma continua, sin ningún tipo de edición a excepción del cuchillo con el que es apuñalado en la espalda Oh Dae-su, que fueron imágenes generadas por ordenador.

Mención especial: EL ARCA RUSA (2002)

Director: Alexandr Sokurov.

Una mención especial merece El Arca Rusa por ser la primera película comercial sin editar rodada en una sola toma de 90 minutos con steadicam. Fue filmada el 23 de diciembre de 2001 en el Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia).

Mención especial II: EL RESPLANDOR (1980)

Director: Stanley Kubrick.

No podía faltar en famoso plano de El Resplandor, filmado por Garret Brown, inventor de la steadicam. El plano secuencia sigue a Danny mientras recorre con su triciclo  los pasillos del Hotel Overlook.

Divertido comercial de cámaras Canon que muestra el amor por la fotografía

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Creo que todos en algún momentos nos vamos dando cuenta que para obtener la mejor toma requieres salir de tu zona de confort e ir mas lejos que todos. Y por supuesto que esto implica hacer un poco de acrobacias y actos que podrian resultar un poco peligrosos pero como dirían todo por amor a la fotografía.

Canon precisamente en este comercial refleja esos momentos que seguramente te habrás identificado en algún momento de tu carrera fotográfica, seguramente los hará reír un poco.

¿Que tan lejos han ido para lograr esa super toma que nadie tiene? Estoy seguro que hoy en día sigues haciendo lo mismo al final buscamos mejorar día a día y obtener la mejor foto que todos.

A 20 años de Forrest Gump, 20 curiosidades del film, que no sabías.

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A dos décadas del estreno de la película protagonizada por Tom Hanks y basada en la novela homónima, te dejamos algunas curiosidades del filme que posiblemente no conocías.

Este año se cumplen dos décadas desde el estreno de la película Forrest Gump, filme basado en la novela homónima del escritor Winston Groom que contó con la actuación estelar de Tom Hanks, entre otras interpretaciones destacadas.

El largometraje fue todo un éxito en taquilla y recibió alabanzas de la crítica. Para conmemorar su cumpleaños número 20 haremos un repaso por 20 curiosidades sobre este filme que fueron rescatadas del portal El-nacional.com. ¿Cuál llamó más tu atención?

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1. Tom Hanks  se convirtió en el  segundo  actor  en  ganarse  el premio  Oscar de forma consecutiva como Mejor Actor por su trabajo en Forrest Gump. El primer actor en lograr tal hazaña fue Spencer Tracy por Captains Courageous (1937) y Boys Town (1938).

2. Bill Murray, John Travolta y Chevy Chase rechazaron el papel que luego realizó Tom Hanks. John Travolta incluso admitió que no estaba arrepentido de haber rechazado el rol.

3. Tom Hanks pensó que el filme sería “una película de consumir y olvidar”. Nunca imaginó el éxito que tuvo.

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4. En la película, Forrest establece una entrañable amistad en la guerra con el personaje de Benjamin Buford “’Bubba” Blue, con quien habla de establecer un negocio de pesca de camarones, pero Bubba muere en combate. En su honor, Forrest abre la firma Bubba Gump Shrimp Company. En 1996, Viacom funda realmente la cadena de restaurantes Bubba Gump Shrimp Company que, actualmente, cuenta con más de 30 sucursales en todo el mundo.

5. El condado de Greenbow en el estado de Alabama, donde Forrest dice nacer, no existe en realidad.

6. El hermano menor de Tom Hanks, Jim Hanks, dobló muchas de las escenas en las que el actor aparece corriendo.

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7. La razón por la que Forrest habla pausado es porque el actor Michael Conner Humphreys, que interpretó a Forrest de niño, se limitaba a hablar con su voz natural. Así que Hanks optó por imitar su voz para el personaje adulto.

8. La película recaudó $677, 387,716 solamente en taquilla  en todo el mundo.

9. Según el portal  Box Office Mojo Forrest Gump ocupa la posición número 69 entre las 100 películas más taquilleras de la historia.

10. La secuencia donde se muestra a uno de los antepasados de Forrest, surge del clásico The Birth of a Nation de Griffith, con aparición de los racistas del Ku Klux Klan. Incluso esa secuencia se exhibe en blanco y negro con imágenes aceleradas como en un filme de principios del siglo. Esa  película es de 1915.

11. Forrest Gump ganó seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Robert Zemeckis), y Mejor Actor (Tom Hanks).

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12. En los Golden Globes se llevó los premios a Mejor Director, Mejor Actor en drama y Mejor  Película.

13. Cuando en la película Forrest comienza a correr sin sentido, entre las imágenes de lugares que  se exhiben, hay una en la que está subiendo una cuesta en curva. Esa curva se bautizó como “The Forrest Gump Curve”, La curva de Forrest, y está en “Grandfather Mountain” en  North Carolina.  Es un lugar de peregrinaje para algunos seguidores de la película.

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14. En una escena el personaje de Gary Sinise (Teniente Dan) le dice a Forrest (Hanks) que el día en que sea capitán de un barco pesquero él será astronauta. Al año siguiente, Hanks y Sinise protagonizaron Apolo 13 dando vida a dos astronautas.

15. Cuando a Forrest se lo ve junto a John Lennon en un set de televisión, Forrest habla de cómo era la vida en China, sin posesiones materiales, ni religión. El presentador ahí le dice que es difícil de imaginar mientras John Lennon argumenta  que es fácil si lo intentas. Esta son frases que aparecen en la canción Imagine de Lennon.

16. El  actor Kurt Russell es quien le puso voz al personaje de Elvis Presley al comienzo del filme. Curiosamente Russell encarnó al Rey del rock en una miniserie sobre su vida dirigida por John Carpenter.

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17. Si bien es cierto que el filme tiene sucesos históricos también deja al descubierto varias incoherencias. Por ejemplo, la carta que recibe por parte de Apple data de la fecha del 23 de septiembre de 1975, pero la compañía se fundó un año después.

18. Otra de las incoherencias históricas es sobre el periódico “Usa Today”, diario que fue fundado años después de la línea de tiempo de la trama.

19. Cuando el pequeño Forrest aborda el autobús escolar por primera vez, hay un niño que le niega el asiento. Ese papel es interpretado por Alex Zemeckis, hijo del director del filme.

20. Siempre que en la película Forrest está recordando algo utiliza una camisa azul.

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¿Quién es el director de fotografía?

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El concepto de director de fotografía se refiere a: la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; para la realización de películas, series, documentales e incluso spots publicitarios.

Dentro de la estructura del equipo de producción, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. En particular, la iluminación, la composición visual y los movimientos de cámara, pudiendo manejarla él mismo o el operador de cámara. El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo técnico como el artístico, y su labor consiste en crear la visualización cinematográfica en colaboración con el director.

Independientemente de que los trabajos del director de fotografía sean tomados en celuloide, cinta magnética, videodisco u otros sistemas de almacenamiento de imágenes, nos referiremos a ellos utilizando el término “cinematográfico“. Asimismo, cuando decimos “película” entendemos cualquier obra audiovisual, independientemente del soporte utilizado, duración y destino final.

Arte y técnica

La visualización cinematográfica es la parte de la actividad creativa en la que el director de fotografía ejerce una influencia importante. A pesar de su evidente carácter creativo, esta profesión se suele considerar básicamente técnica. Quizás esto fuese cierto en los comienzos de la industria, ya que “el hombre de la cámara”, constituía un verdadero espectáculo y su equipo, muchas veces fabricado por él mismo, era francamente dificil de manejar.

Actualmente, el equipo es sólo un punto de partida. El material es más fiable, con técnicos de cámara e iluminación que se encargan de su correcto funcionamiento. Hoy en día, el director de fotografía dispone de más posibilidades para expresarse artísticamente debido, sin duda, al gran avance de la tecnología, aunque de cualquier forma, siguen siendo necesarios los conocimientos técnicos para el trabajo con la cámara.

El director de fotografía ejerce con su trabajo una enorme influencia en el proceso creativo, donde existen determinadas áreas en las que se pone claramente de manifiesto criterio y responsabilidad. En el terreno de la creación artística, los límites de su actuación son difíciles de definir, ya que muchas veces su actividad se solapa con la dirección o con la dirección artística. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. Si se establece una relación fluida, el director de fotografía influye determinantemente en la puesta en escena de la película, así como el director también influye en su visualización. De la colaboración entre ambos debe surgir un trabajo unificado e incluso una creación mutuamente inspirada.

Responsabilidades

El director de fotografía es la autoridad técnica antes de empezar a rodar. Sus decisiones, basadas en su intuición visual y su preparación conceptual se materializan de una forma real al rodar. Muchas veces, los esfuerzos creativos y técnicos de todo el equipo dependen de su buen hacer, siendo en ocasiones el responsable de las emociones que se producen en el espectador, al dirigir de una manera acertada el foco de atención, provocando sensaciones de alegría, miedo o suspenso. Por lo tanto, las decisiones tomadas por el director de fotografía pueden tener una influencia muy significativa en el éxito o fracaso de una película. La esfera de actuación del director de fotografía abarca todas las fases de la producción, desde la preparación y rodaje, hasta la finalización.

La preparación comienza normalmente varias semanas antes del rodaje. En ella se determinan los principios fundamentales de la estructura de la película y se toman decisiones sobre el equipo técnico y artístico. En este período, el guión se convierte en el principal punto de referencia para todos los miembros del equipo. Durante su desglose se van teniendo en cuenta los problemas a resolver, así como las diferentes técnicas a utilizar. Se mantienen numerosas conversaciones con el director sobre posibles cambios, conceptos dramáticos y de estilo, sugerencias sobre el reparto, etc. Mientras, con el departamento de producción se trabaja en el presupuesto, plan de trabajo, selección de los diferentes elementos técnicos, etc. Se estudian con el director artístico las diversas locaciones tanto exteriores como interiores, así como la realización técnica y artística de los decorados, teniendo en cuenta el tipo y emplazamiento de las fuentes de luz, además del concepto general del color. Con los estilistas y maquilladores se estudia el color del vestuario y los maquillajes más adecuados. En esta fase, el director, el director de fotografía, director artístico y productor estudian las diferentes posibilidades y hacen la selección final de las locaciones. También tienen lugar las primeras conversaciones sobre planificación. El director de fotografía comienza a trabajar en el concepto de la iluminación y determina la hora adecuada para el rodaje de cada secuencia en función de la posición del sol y otros condicionamientos. Se toman decisiones sobre las cámaras, tipo de película, material de iluminación y maquinista, además de seleccionar el laboratorio. Se ruedan pruebas de vestuario y maquillaje. Se comprueba el perfecto funcionamiento de la cámara, sometiendo a los objetivos a unos tests precisos para verificar su buen estado, comprobándose también la respuesta de las diferentes emulsiones en el laboratorio.

El rodaje es, sin duda, la fase decisiva en la producción de una película. La planificación de las secuencias exige un análisis concienzudo de los elementos dramáticos del guión para conseguir su adecuada utilización visual. El director y el director de fotografía estudian juntos la estructura de cada secuencia, decidiendo desde qué perspectiva la va a experimentar el espectador. Si será rodada en varios planos rápidos o por el contrario será resuelta con un lento movimiento a través del decorado. Si será contada en primeros planos o en planos generales… Del éxito de esta colaboración depende en gran manera la fluidez del rodaje. En esta fase se determinan los elementos esenciales que conformarán la película, como su duración, clima y ritmo. El director de fotografía tiene una gran influencia sobre el espectador y su respuesta emocional. Esta puede ser motivada por la elección de los diferentes objetivos, los movimientos de cámara o por medio de la angulación y altura de la cámara. La luz es responsabilidad total del director de fotografía y se considera habitualmente como su aportación más importante. La relación creativa de luces y sombras, teniendo en cuenta direcciones, tipos e intensidades de las fuentes luminosas, junto con el color, proporciona múltiples posibilidades creativas que afectan tanto a la atmósfera dramática, emocional y estética requerida por la secuencia, como al realce dramático de los actores y decorados. El efecto dramático y emocional de una imagen se puede alterar mediante la utilización de filtros y el tratamiento del color. Estos efectos se pueden conseguir filtrando la luz o usando filtros en la cámara. Antiguamente el trabajo de efectos especiales se hacía preferentemente en la cámara. Hoy en día, gracias a los espectaculares avances de la tecnología, la mayoría de los efectos se hacen en el proceso de postproducción. Asimismo, el director de fotografía debe asumir su parte de responsabilidad en que los costos de su departamento no excedan el presupuesto de forma imprevista.

La postproducción abarca las fases de montaje, realización de efectos especiales y sonorización. Durante este periodo la actuación del director de fotografía es sólo ocasional hasta que llegue el momento del tiraje de copias o la realización del telecine. Su labor puede incluir la supervisión del rodaje de efectos especiales o maquetas, a menudo rodadas por un segundo equipo. Antes del tiraje de las copias para las salas de exhibición, el director de fotografía debe ajustar el color y la luminosidad de cada uno de los planos para que el paso de uno a otro sea fluido, aunque en realidad hayan sido rodados en circunstancias muy diferentes. Es lo que llamamos etalonaje. Todavía en esta fase se pueden tomar algunas decisiones creativas variando los filtros de color y las intensidades de luz de la positivadora. En este punto termina el proceso de creatividad fotográfica de una producción. La última actuación del director de fotografía consiste en dar la aprobación final a las copias y al telecine de la obra realizada.

Aprendizaje

La mayoría han llegado a esta profesión tras un largo período de aprendizaje trabajando a las órdenes de otros que han sido sus maestros. Además de unos buenos conocimientos técnicos en el campo fotográfico, un director de fotografía debe desarrollar ampliamente el sentido de la vista, es decir “saber ver” de una manera especial y crítica. Una completa formación general, sobre todo en el campo pictórico y estilístico, le ayudará en la búsqueda de su propio estilo. Necesitará también cierta capacidad para soportar el stress físico y psicológico que generalmente acompaña a esta profesión. Como todo trabajo en equipo se necesita cierta destreza diplomática y habilidad para imponerse, además de aptitudes de organización. La formación de un director de fotografía no se termina nunca. Debe estar continuamente atento a las tendencias fotográficas siguiendo de cerca el trabajo de sus colegas y estudiando detalladamente las constantes innovaciones técnicas que se dan en el sector.