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Divertido comercial de cámaras Canon que muestra el amor por la fotografía

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Creo que todos en algún momentos nos vamos dando cuenta que para obtener la mejor toma requieres salir de tu zona de confort e ir mas lejos que todos. Y por supuesto que esto implica hacer un poco de acrobacias y actos que podrian resultar un poco peligrosos pero como dirían todo por amor a la fotografía.

Canon precisamente en este comercial refleja esos momentos que seguramente te habrás identificado en algún momento de tu carrera fotográfica, seguramente los hará reír un poco.

¿Que tan lejos han ido para lograr esa super toma que nadie tiene? Estoy seguro que hoy en día sigues haciendo lo mismo al final buscamos mejorar día a día y obtener la mejor foto que todos.

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¿Quién es el director de fotografía?

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El concepto de director de fotografía se refiere a: la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; para la realización de películas, series, documentales e incluso spots publicitarios.

Dentro de la estructura del equipo de producción, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. En particular, la iluminación, la composición visual y los movimientos de cámara, pudiendo manejarla él mismo o el operador de cámara. El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo técnico como el artístico, y su labor consiste en crear la visualización cinematográfica en colaboración con el director.

Independientemente de que los trabajos del director de fotografía sean tomados en celuloide, cinta magnética, videodisco u otros sistemas de almacenamiento de imágenes, nos referiremos a ellos utilizando el término “cinematográfico“. Asimismo, cuando decimos “película” entendemos cualquier obra audiovisual, independientemente del soporte utilizado, duración y destino final.

Arte y técnica

La visualización cinematográfica es la parte de la actividad creativa en la que el director de fotografía ejerce una influencia importante. A pesar de su evidente carácter creativo, esta profesión se suele considerar básicamente técnica. Quizás esto fuese cierto en los comienzos de la industria, ya que “el hombre de la cámara”, constituía un verdadero espectáculo y su equipo, muchas veces fabricado por él mismo, era francamente dificil de manejar.

Actualmente, el equipo es sólo un punto de partida. El material es más fiable, con técnicos de cámara e iluminación que se encargan de su correcto funcionamiento. Hoy en día, el director de fotografía dispone de más posibilidades para expresarse artísticamente debido, sin duda, al gran avance de la tecnología, aunque de cualquier forma, siguen siendo necesarios los conocimientos técnicos para el trabajo con la cámara.

El director de fotografía ejerce con su trabajo una enorme influencia en el proceso creativo, donde existen determinadas áreas en las que se pone claramente de manifiesto criterio y responsabilidad. En el terreno de la creación artística, los límites de su actuación son difíciles de definir, ya que muchas veces su actividad se solapa con la dirección o con la dirección artística. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. Si se establece una relación fluida, el director de fotografía influye determinantemente en la puesta en escena de la película, así como el director también influye en su visualización. De la colaboración entre ambos debe surgir un trabajo unificado e incluso una creación mutuamente inspirada.

Responsabilidades

El director de fotografía es la autoridad técnica antes de empezar a rodar. Sus decisiones, basadas en su intuición visual y su preparación conceptual se materializan de una forma real al rodar. Muchas veces, los esfuerzos creativos y técnicos de todo el equipo dependen de su buen hacer, siendo en ocasiones el responsable de las emociones que se producen en el espectador, al dirigir de una manera acertada el foco de atención, provocando sensaciones de alegría, miedo o suspenso. Por lo tanto, las decisiones tomadas por el director de fotografía pueden tener una influencia muy significativa en el éxito o fracaso de una película. La esfera de actuación del director de fotografía abarca todas las fases de la producción, desde la preparación y rodaje, hasta la finalización.

La preparación comienza normalmente varias semanas antes del rodaje. En ella se determinan los principios fundamentales de la estructura de la película y se toman decisiones sobre el equipo técnico y artístico. En este período, el guión se convierte en el principal punto de referencia para todos los miembros del equipo. Durante su desglose se van teniendo en cuenta los problemas a resolver, así como las diferentes técnicas a utilizar. Se mantienen numerosas conversaciones con el director sobre posibles cambios, conceptos dramáticos y de estilo, sugerencias sobre el reparto, etc. Mientras, con el departamento de producción se trabaja en el presupuesto, plan de trabajo, selección de los diferentes elementos técnicos, etc. Se estudian con el director artístico las diversas locaciones tanto exteriores como interiores, así como la realización técnica y artística de los decorados, teniendo en cuenta el tipo y emplazamiento de las fuentes de luz, además del concepto general del color. Con los estilistas y maquilladores se estudia el color del vestuario y los maquillajes más adecuados. En esta fase, el director, el director de fotografía, director artístico y productor estudian las diferentes posibilidades y hacen la selección final de las locaciones. También tienen lugar las primeras conversaciones sobre planificación. El director de fotografía comienza a trabajar en el concepto de la iluminación y determina la hora adecuada para el rodaje de cada secuencia en función de la posición del sol y otros condicionamientos. Se toman decisiones sobre las cámaras, tipo de película, material de iluminación y maquinista, además de seleccionar el laboratorio. Se ruedan pruebas de vestuario y maquillaje. Se comprueba el perfecto funcionamiento de la cámara, sometiendo a los objetivos a unos tests precisos para verificar su buen estado, comprobándose también la respuesta de las diferentes emulsiones en el laboratorio.

El rodaje es, sin duda, la fase decisiva en la producción de una película. La planificación de las secuencias exige un análisis concienzudo de los elementos dramáticos del guión para conseguir su adecuada utilización visual. El director y el director de fotografía estudian juntos la estructura de cada secuencia, decidiendo desde qué perspectiva la va a experimentar el espectador. Si será rodada en varios planos rápidos o por el contrario será resuelta con un lento movimiento a través del decorado. Si será contada en primeros planos o en planos generales… Del éxito de esta colaboración depende en gran manera la fluidez del rodaje. En esta fase se determinan los elementos esenciales que conformarán la película, como su duración, clima y ritmo. El director de fotografía tiene una gran influencia sobre el espectador y su respuesta emocional. Esta puede ser motivada por la elección de los diferentes objetivos, los movimientos de cámara o por medio de la angulación y altura de la cámara. La luz es responsabilidad total del director de fotografía y se considera habitualmente como su aportación más importante. La relación creativa de luces y sombras, teniendo en cuenta direcciones, tipos e intensidades de las fuentes luminosas, junto con el color, proporciona múltiples posibilidades creativas que afectan tanto a la atmósfera dramática, emocional y estética requerida por la secuencia, como al realce dramático de los actores y decorados. El efecto dramático y emocional de una imagen se puede alterar mediante la utilización de filtros y el tratamiento del color. Estos efectos se pueden conseguir filtrando la luz o usando filtros en la cámara. Antiguamente el trabajo de efectos especiales se hacía preferentemente en la cámara. Hoy en día, gracias a los espectaculares avances de la tecnología, la mayoría de los efectos se hacen en el proceso de postproducción. Asimismo, el director de fotografía debe asumir su parte de responsabilidad en que los costos de su departamento no excedan el presupuesto de forma imprevista.

La postproducción abarca las fases de montaje, realización de efectos especiales y sonorización. Durante este periodo la actuación del director de fotografía es sólo ocasional hasta que llegue el momento del tiraje de copias o la realización del telecine. Su labor puede incluir la supervisión del rodaje de efectos especiales o maquetas, a menudo rodadas por un segundo equipo. Antes del tiraje de las copias para las salas de exhibición, el director de fotografía debe ajustar el color y la luminosidad de cada uno de los planos para que el paso de uno a otro sea fluido, aunque en realidad hayan sido rodados en circunstancias muy diferentes. Es lo que llamamos etalonaje. Todavía en esta fase se pueden tomar algunas decisiones creativas variando los filtros de color y las intensidades de luz de la positivadora. En este punto termina el proceso de creatividad fotográfica de una producción. La última actuación del director de fotografía consiste en dar la aprobación final a las copias y al telecine de la obra realizada.

Aprendizaje

La mayoría han llegado a esta profesión tras un largo período de aprendizaje trabajando a las órdenes de otros que han sido sus maestros. Además de unos buenos conocimientos técnicos en el campo fotográfico, un director de fotografía debe desarrollar ampliamente el sentido de la vista, es decir “saber ver” de una manera especial y crítica. Una completa formación general, sobre todo en el campo pictórico y estilístico, le ayudará en la búsqueda de su propio estilo. Necesitará también cierta capacidad para soportar el stress físico y psicológico que generalmente acompaña a esta profesión. Como todo trabajo en equipo se necesita cierta destreza diplomática y habilidad para imponerse, además de aptitudes de organización. La formación de un director de fotografía no se termina nunca. Debe estar continuamente atento a las tendencias fotográficas siguiendo de cerca el trabajo de sus colegas y estudiando detalladamente las constantes innovaciones técnicas que se dan en el sector.

¿Qué es un Teleprompter?

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Teleprompter o apuntador óptico, es una herramienta de lectura, que se utiliza para poder seguir un discurso o texto en una pantalla o espejo, permitiendo a la persona tener un apoyo que le brinde confianza y seguridad al momento de hablar, ya sea en un discurso o en una grabación de videoclips.

Ocupado en cine, television, videos corporativos, conciertos y eventos en general, ya sea para dar un discurso ante una audiencia en un auditorio, salon o convencion, esta herramienta brinda al usuario un contacto visual directo con su audiencia lo cual permite establecer una relación de significados comunes entre ambas partes. En otras palabras, hay un intercambio semántico de fácil comprensión para quien habla y quien escucha.

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Existen dos tipos de teleprompter, los presidenciales o también llamados de podium y los de cámara.

El teleprompter de podium o presidencial son aquellos que se ocupan para los eventos en los que se tiene un orador al frente de una audiencia en vivo , ya sean eventos sociales, exposiciones, convenciones, platicas o cualquier otro evento en vivo.

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En este caso el teleprompter sera alineado para la lectura correcta, debe ser colocado de 1.5 a 2 m del orador, con una inclinacion del espejo a 45º para que pueda leer sin problemas lo que el monitor en el piso refleje. Cuando el orador cambia su vista del espejo derecho al izquierdo (por ejemplo), “baña” con su mirada 90º de audiencia al centro.

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Si un orador debe leer, es mejor que lea 2 espejos levantando su mirada, en vez de unas tarjetas en su atril bajando la mirada.

En el caso de los teleprompters de cámara son ocupados para grabaciones de programas de televisión, capsulas de video, noticieros, y muchas otras aplicaciones para televisión, tambien se ocupan en producciones corporativas, para mensajes, cursos de inducción y videos corporativos en general.

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Este tipo de teleprompters son montados sobre un tripié que soporta una plataforma en la que se monta espejo, monitor y cámara. El espejo de características especiales, del lado de la cámara es traslúcido y del lado del conductor es reflectivo.

No cualquier espejo sirve para un teleprompter, estos son de fabricación especial y su relación reflectividad/traslucidad debe ser 70/30 o 60/40 con un espesor de 3 mm y super transparentes para que el diafragma de la cámara, no detecte la presencia del espejo o en todo caso solo reduzca 1/3 o 1/2 paso de diafragma.

La plataforma o mounting plate debe tener adaptadores para cualquier tipo de cámara, sea una handycam o una Arri 635.

Los programas de trabajo o software son los que nos permiten importar los discursos o guiones que le da nuestro orador o conductor, los hay muy sencillos o tremendamente sofisticados. Hoy en día un programa de trabajo, se puede operar desde un teléfono movil pero para una producción de video o cinematográfica o un discurso ante una audiencia en vivo, se requiere de un programa de trabajo potente que nos de la posibilidad de importar textos tan grandes como la producción lo requiera en cuestión de segundos y adicionalmente que tenga la potencia para hacer todas las modificaciones en el programa mismo, sin tener que salir de él para modificar la fuente, tamaño, color o edición en general. Para una producción profesional hay que usar un software profesional.

La fotografía y la realidad

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El artista y fotógrafo Michael Paul Smith nacido en Pennsylvania en 1950, ha pasado largo tiempo fotografiando una ciudad muy querida y especial para él. Su fantástico trabajo muestra escenas cotidianas de dicha ciudad americana a mediados del siglo XX, entre la década de los años 20 y mediados de la década de los 60.

Michael Paul Smith, ha sido ilustrador de libros de texto, diseñador de exposiciones en museos, fabricante de modelos arquitectónicos, director de arte para tiendas al por menor y más que descubriremos, más adelante en este artículo. Su amor por el siglo XX ha sido una constante fuente de inspiración para todo su trabajo.

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Ahora pasemos a ver parte de su gran trabajo fotográfico y después veremos si todo fue una ilusión.

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Los ajustes básicos para vídeo con una DSLR

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videodslrLa grabación de vídeo con cámaras DSLR es una realidad. Son muchos los usuarios que se lanzan por una Canon 7D o Nikon 7000 entre otros modelos buscando una opción más económica con respecto a las cámaras de vídeo profesionales. Evidentemente, pese a los grandes resultados que ofrecen hay limitaciones que no podemos obviar.

De todas formas son y seguirán siendo una gran opción, más aún viendo como los fabricantes apuestan por esta función en sus nuevos modelos. Tanto en cámaras como en objetivos más silenciosos para no echar a perder una grabación por exceso de ruido al enfocar. Visto el interés de la función vídeo vamos a ver cómo configurar nuestra cámara DSLR para la grabación de vídeo.

Estilo de imagen

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Lo primero que tenemos que hacer es configurar el estilo de imagen que vamos a usar. Lo ideal es hacer uso de un perfil plano que luego nos permita un mejor etalonaje (procesado de la imagen: color, contraste, saturación…)

Si usas una cámara Canon puedes descargar e instalar el perfil Technicolor que se puso no hace mucho a disposición de los usuarios tras un acuerdo entre ambas empresas.

Si no puedes instalar un nuevo perfil opta por modificar los que vienen ya preinstalados. Elige el perfil neutro, baja la nitidez, el contraste y la saturación. La idea es conseguir una imagen con un ligero tono grisáceo que luego nos permitirá un mejor ajuste en nuestro programa de edición.

Control de luces y el uso de los valores ISO

El siguiente punto es el control de luces. La mayoría de cámaras tienen opciones que permiten activar o desactivar el control de luces. Cuando grabamos vídeo ese control de luces automático puede llegar a resultar muy molesto. Sobre todo si nos movemos entre planos donde haya cambios con fuertes contraluces.

nikonEn cuanto a los ISO hay que procurar usar los valores ISO nativos siempre que sea posible.Principalmente porque el resto de opciones son ni más ni menos que esos mismos valores pero con ganancia subida o bajada de forma digital. Para mantener un rango dinámico adecuado los mejor es usar los ISO nativos. Y si tenemos que decidirnos por otro valor procurar que sean siempre valores ISO donde la ganancia esté bajada, por ejemplo ISO 320.

La regla de los 180 grados

Si hay algo que nos permite la grabación de vídeo con cámaras DSLR es conseguir ese look de cine que tanto gusta, aunque poco a poco esto irá cambiando. Para conseguirlo debemos controlar la apertura del obturador. La regla de los 180 grados consiste en colocar el obturador en un valor doble con respecto el número de fotograbas al que grabemos.

Por ejemplo, si grabamos a 24 o 25 fps nuestro obturador deberá estar en 1/48 o 1/50 respectivamente. Si por su parte estamos grabando a 50 fps el valor será 1/100. Esto nos permite obtener movimientos de la imagen naturales que nos recordarán a esas escenas de cine.

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Extra, Magic Lantern

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Si la cámara es Canon y permite la instalación de firmware no oficial Magic Lantern recomiendo encarecidamente su instalación. Con esta versión modificada las cámaras ganan muchísimas prestaciones, sobre todo a la hora de grabar vídeo.

Y es que nos da un mayor control pudiendo establecer valores como la apertura, diafragma, ISO, etc… de forma más específica para cada situación. Sin duda, ML es lo mejor que podemos instalar en nuestra cámara Canon.

El antes y después de los efectos visuales en el Cine

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Grabar video con cámaras DSLR

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Canon Tradicionalmente la fotografía y el video eran dos profesiones que requerían conocimiento y equipos distintos, pero los avances de en la tecnología nos permiten ahora, unificar cada vez más varias funciones en un solo dispositivo.

Los equipos de grabación de video están siendo desplazados por un equipo que tradicionalmente era el primordial para la captura estática de esos maravillosos instantes de la naturaleza.

Es así que hoy la cámara fotográfica ofrece el sistema de grabación de video que cada vez más compite con las cámaras tradicionales; estamos hablando de que en la actualidad muchos productores, realizadores y directores prefieren trabajar con una cámara DSLR que invertir cuantiosas cantidades de dinero en una cámara de video profesional.

Actualmente grabar cortometrajes, anuncios comerciales, entrevistas, vídeo se lo realiza en las cámaras DSLR. Ahí es donde se ha avanzado más gracias a diferentes factores. Y es que, sin duda la posibilidad de usar objetivos intercambiables y la combinación de los sensores con los procesadores actuales han conseguido que explote un nuevo mercado.

canon2Ventajas de las cámaras DSLR frente a las tradicionales videocámaras

Las mejoras que se han venido realizando en las cámaras fotográficas han sido notables. Han pasado de una resolución de 720p a 1080p, mejores procesadores para manejar cada vez más información a formatos de compresión más óptimos, adicionalmente mejoras también de los sensores, sistemas de enfoque y configuraciones que hasta hace poco solo las cámaras de video las tenían.

Por todo ello en el campo de la producción audiovisual para muchos aficionados al vídeo y cineastas independientes la posibilidad de usar cámaras DSLR ha supuesto toda una revolución. Calidad a un precio razonable si lo comparamos con sistemas de vídeo profesionales.

Luego, podríamos resumir como ventajas de las DSLR los siguientes puntos:

  • Peso y tamaño reducido.
  • Lentes intercambiables (angulares, zoom, control sobre profundidad de campo, luminosidad, etc..)
  • Versatilidad y calidad de la grabación.

Pero claro, también hay aspectos negativos. El tamaño y peso hace que necesitemos algún sistema para estabilizar el vídeo (trípodes, steadycam, rig,…). También hay que tener en cuenta el enfoque que es manual. Por último, el audio no es de buena calidad y a veces el micrófono integrado capta el ruido de la lente o manipulación de la cámara por lo que tendremos que recurrir a micros externos.

A continuación dos ejemplos de cortometrajes grabados con cámaras DSLR

Freedom de Roberto Alvarez Tostado con una Canon 7D

Fragmentos cortometraje de Fabrice Abuaf en Nikon 5100