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¿Qué es y cómo funciona el Mapping?

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En diversas ocasiones la gente nos ha preguntado ¿Qué es el video mapping? Explicar el video mapping con palabras es como tratar de describir una pintura, al final del día es mejor verla. Pero, haciendo un pequeño esfuerzo, el término más formal y serio define al video mapping como un método de proyección sobre superficies irregulares, donde un video o contenido en 2D o 3D se adapta a la forma de la superficie creando espectáculos audiovisuales.

Dejando la seriedad de lado, el video mapping te permite proyectar videos sobre algo tan grande como el Palacio de Bellas Artes hasta algo tan pequeño como un florero. No existe límite en los lugares donde se puede proyectar: ¿Se puede hacer un mapping sobre un carro? Sí ¿Se puede hacer un mapping sobre la fachada de mi casa? Por supuesto ¿Se puede proyectar sobre mi rostro? Claro que sí, aunque la luz te incomodaría un poco.

Como les mencioné al inicio, el mapping es mejor verlo que platicarlo, por lo tanto aquí les dejo un ejemplo de esta forma tan increíble de proyección :

 

¿De qué se compone un Video Mapping?

Bueno, ahora que ya sabemos qué es el projection mapping, es importante platicarles, a grandes rasgos, los diversos elementos que lo componen:

  • Superficie de proyección
  • Equipo para proyectar
  • Software para reproducción
  • Contenido

Superficie de Proyección

La superficie es el lugar donde quieres proyectar. No importa si es en exterior como en la fachada de un edificio o en interior como puede ser sobre un escenario. El tamaño no importa, nosotros hemos realizado proyecciones tan grandes como en escenarios de 80×7 metros como en maquetas de 80 centímetros de largo. Por lo general, entre más grande es el lugar de proyección más equipo es el que se ocupará para proyectar.

Es importante saber elegir el lugar donde quieres hacer tu video mapping, ya que este tipo de técnicas lucen más cuando se aprovecha la arquitectura del lugar. Por ejemplo, si quieres proyectar en un edificio se puede aprovechar mucho los marcos de la puerta o de las ventanas, las cornisas, las columnas etc. Si proyectaras sobre un auto es importante jugar con los elementos del mismo como las llantas, la puerta, los espejos, en fin.

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Equipo para proyectar

El equipo de proyección es todo aquel equipo que se utiliza para hacer la proyección una realidad. Se compone principalmente de proyectores, trusses, cables y servidores de video. De los proyectores hay de todo, los hay pequeños como los que encuentras en la sala de juntas de la oficina hasta los más grandes que se utilizan para cubrir edificios. Usualmente el tamaño de la superficie determina el número y tipo de proyectores con los que sales para el evento.

Los servidores de video son el punto de unión entre el equipo de proyección, el software de reproducción y el contenido. Estos equipos son como computadoras que controlan la gran mayoría de los aspectos técnicos del video mapping. Estos servidores de video pueden ser una laptop (para proyecciones pequeñas y de uno o dos proyectores) hasta equipo sumamente especializado para cubrir 8, 10, 20 o hasta 50 proyectores.

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Software para reproducción

El software tiene muchas funciones, una de las principales es la del “mapping” de la superficie. Este proceso de mapeo básicamente le dice al servidor de video cuál es la forma geométrica de la superficie. Por ejemplo, imaginemos que quieres proyectar sobre la fachada de tu casa, pero no quieres que se proyecte nada sobre la puerta principal, el software de mapping te ayuda a delimitar que la proyección sea sobre toda tu casa menos la puerta.

Otra de las funciones es la de reproducción de contenido, es decir, a este tipo de software tú le dices qué video quieres reproducir y en qué sección de la superficie quieres que se vea este video. Este tipo de software es algo especializado, por lo tanto lo suele controlar el proyeccionista o el ingeniero en video mapping.

 

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Contenido

El contenido es básicamente los videos que quieres proyectar en la superficie. Estos videos se hacen con diversas técnicas de animación, algunos son en 3D y otros en 2D. Usualmente se recomienda que el contenido se diseñe con base en la estructura en la cual se proyectará, es decir, si vas a proyectar sobre la fachada de tu casa probablemente quieras aprovechar que tienes dos ventanas y una puerta y hacer contenido específico para las ventanas (tal vez simular que las ventanas se rompen y que por la puerta entra Elvis).

El contenido animado puede ser de lo que tú quieras, pueden ser tan abstractos o tan reales como lo desees. Nosotros como estudio creativo siempre recomendamos contar una historia, por lo tanto usamos técnicas de storytelling que van llevando al espectador a través de un relato audiovisual.

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Luna roja se podrá observar en Ecuador

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El Observatorio Astronómico de Quito comunica a la ciudadanía que entre la noche del domingo 27 de septiembre y la madrugada del lunes 28 de septiembre de 2015, tendrá lugar un eclipse total de Luna, siendo éste el último eclipse lunar de los cuatro que se presentaron entre los años 2014 y 2015.
Este evento astronómico sucede cuando entre el Sol y la Luna se interpone la Tierra, impidiendo de esta forma el paso de la luz solar, proyectándose una sombra que hace que la Luna se oscurezca, y en su punto máximo se torne de color rojizo.
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La hora de inicio del eclipse en Ecuador será a las 19:11 horas, empezando con la fase de penumbra, la misma que durará hasta las 20:07 horas, momento en el que empezará la etapa parcial del eclipse, es decir cuando únicamente una parte de la Luna entra en la región de la sombra terrestre. La fase de totalidad del eclipse empezará a las 21:11 horas, y su máximo se alcanzará a las 21:47 horas. La totalidad durará aproximadamente hasta las 22:24 horas. El eclipse en su etapa final de penumbra terminará a las 00:24 horas (28 de septiembre).
El Observatorio Astronómico ubicado en el parque La Alameda en Quito, abrirá sus puertas desde las 21:00 horas hasta las 23:00 horas para que el público interesado pueda observar este evento astronómico, empleando los distintos instrumentos disponibles.red-moon-

Rosco lanza la luminaria Silk 210 LED diseñada para cine y televisión

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Rosco ha presentado su nuevo sistema de iluminación LED suave Silk 210 diseñado para la iluminación de cine y televisión.

Silk 210 ofrece una combinación de calidad de color de precisión y potente salida en un factor de forma ergonómico y eficiente.

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Adecuado para estudios de televisión, cine o iluminación en exteriores, este ligero sistema incluye Led equilibrados con luz diurna y tungsteno de amplio espectro, permitiendo regularlo a temperaturas entre 2800K y 6500K.

Pruebas independientes han medido la calidad de color de Silk 210 otorgándole una clasificación TLCI de 97, y un CRI de 98 a 3500 K, lo que da como resultado unos naturales tonos de piel y elementos escénicos vivos en la cámara. El dispositivo portátil y versátil funciona con alimentación eléctrica y es compatible con baterías Anton Bauer o V-Lock.Rosco-Silk-210-LED-trasera

Otras características de esta nueva propuesta de Rosco es su alta potencia (2400 lux @ 1m @ 5600k), su atenuación suave y sin parpadeos, el uso de DMX y control local y la amplia gama de accesorios disponibles.

David Amphlett, director de desarrollo de producto en Rosco, director de foto y encargado del diseño de Silk 210, ha destacado que “al desarrollar Silk 210 quería ofrecer a Rosco un sistema de iluminación que los directores de fotografía y profesionales de televisión necesitasen una y otra vez. Hemos trabajado incansablemente para desarrollar un proyector con una calidad de color sin igual, y más importante todavía, una luz robusta y fácil de aplicar. Gracias a este sistema de iluminación, los profesionales de la iluminación ya no tendrán que elegir entre la calidad del color y un resultado de iluminación suave. “Silk 210 ofrece una solución contundente”.

A 20 años de Forrest Gump, 20 curiosidades del film, que no sabías.

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A dos décadas del estreno de la película protagonizada por Tom Hanks y basada en la novela homónima, te dejamos algunas curiosidades del filme que posiblemente no conocías.

Este año se cumplen dos décadas desde el estreno de la película Forrest Gump, filme basado en la novela homónima del escritor Winston Groom que contó con la actuación estelar de Tom Hanks, entre otras interpretaciones destacadas.

El largometraje fue todo un éxito en taquilla y recibió alabanzas de la crítica. Para conmemorar su cumpleaños número 20 haremos un repaso por 20 curiosidades sobre este filme que fueron rescatadas del portal El-nacional.com. ¿Cuál llamó más tu atención?

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1. Tom Hanks  se convirtió en el  segundo  actor  en  ganarse  el premio  Oscar de forma consecutiva como Mejor Actor por su trabajo en Forrest Gump. El primer actor en lograr tal hazaña fue Spencer Tracy por Captains Courageous (1937) y Boys Town (1938).

2. Bill Murray, John Travolta y Chevy Chase rechazaron el papel que luego realizó Tom Hanks. John Travolta incluso admitió que no estaba arrepentido de haber rechazado el rol.

3. Tom Hanks pensó que el filme sería “una película de consumir y olvidar”. Nunca imaginó el éxito que tuvo.

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4. En la película, Forrest establece una entrañable amistad en la guerra con el personaje de Benjamin Buford “’Bubba” Blue, con quien habla de establecer un negocio de pesca de camarones, pero Bubba muere en combate. En su honor, Forrest abre la firma Bubba Gump Shrimp Company. En 1996, Viacom funda realmente la cadena de restaurantes Bubba Gump Shrimp Company que, actualmente, cuenta con más de 30 sucursales en todo el mundo.

5. El condado de Greenbow en el estado de Alabama, donde Forrest dice nacer, no existe en realidad.

6. El hermano menor de Tom Hanks, Jim Hanks, dobló muchas de las escenas en las que el actor aparece corriendo.

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7. La razón por la que Forrest habla pausado es porque el actor Michael Conner Humphreys, que interpretó a Forrest de niño, se limitaba a hablar con su voz natural. Así que Hanks optó por imitar su voz para el personaje adulto.

8. La película recaudó $677, 387,716 solamente en taquilla  en todo el mundo.

9. Según el portal  Box Office Mojo Forrest Gump ocupa la posición número 69 entre las 100 películas más taquilleras de la historia.

10. La secuencia donde se muestra a uno de los antepasados de Forrest, surge del clásico The Birth of a Nation de Griffith, con aparición de los racistas del Ku Klux Klan. Incluso esa secuencia se exhibe en blanco y negro con imágenes aceleradas como en un filme de principios del siglo. Esa  película es de 1915.

11. Forrest Gump ganó seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Robert Zemeckis), y Mejor Actor (Tom Hanks).

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12. En los Golden Globes se llevó los premios a Mejor Director, Mejor Actor en drama y Mejor  Película.

13. Cuando en la película Forrest comienza a correr sin sentido, entre las imágenes de lugares que  se exhiben, hay una en la que está subiendo una cuesta en curva. Esa curva se bautizó como “The Forrest Gump Curve”, La curva de Forrest, y está en “Grandfather Mountain” en  North Carolina.  Es un lugar de peregrinaje para algunos seguidores de la película.

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14. En una escena el personaje de Gary Sinise (Teniente Dan) le dice a Forrest (Hanks) que el día en que sea capitán de un barco pesquero él será astronauta. Al año siguiente, Hanks y Sinise protagonizaron Apolo 13 dando vida a dos astronautas.

15. Cuando a Forrest se lo ve junto a John Lennon en un set de televisión, Forrest habla de cómo era la vida en China, sin posesiones materiales, ni religión. El presentador ahí le dice que es difícil de imaginar mientras John Lennon argumenta  que es fácil si lo intentas. Esta son frases que aparecen en la canción Imagine de Lennon.

16. El  actor Kurt Russell es quien le puso voz al personaje de Elvis Presley al comienzo del filme. Curiosamente Russell encarnó al Rey del rock en una miniserie sobre su vida dirigida por John Carpenter.

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17. Si bien es cierto que el filme tiene sucesos históricos también deja al descubierto varias incoherencias. Por ejemplo, la carta que recibe por parte de Apple data de la fecha del 23 de septiembre de 1975, pero la compañía se fundó un año después.

18. Otra de las incoherencias históricas es sobre el periódico “Usa Today”, diario que fue fundado años después de la línea de tiempo de la trama.

19. Cuando el pequeño Forrest aborda el autobús escolar por primera vez, hay un niño que le niega el asiento. Ese papel es interpretado por Alex Zemeckis, hijo del director del filme.

20. Siempre que en la película Forrest está recordando algo utiliza una camisa azul.

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¿Quién es el director de fotografía?

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El concepto de director de fotografía se refiere a: la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; para la realización de películas, series, documentales e incluso spots publicitarios.

Dentro de la estructura del equipo de producción, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. En particular, la iluminación, la composición visual y los movimientos de cámara, pudiendo manejarla él mismo o el operador de cámara. El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo técnico como el artístico, y su labor consiste en crear la visualización cinematográfica en colaboración con el director.

Independientemente de que los trabajos del director de fotografía sean tomados en celuloide, cinta magnética, videodisco u otros sistemas de almacenamiento de imágenes, nos referiremos a ellos utilizando el término “cinematográfico“. Asimismo, cuando decimos “película” entendemos cualquier obra audiovisual, independientemente del soporte utilizado, duración y destino final.

Arte y técnica

La visualización cinematográfica es la parte de la actividad creativa en la que el director de fotografía ejerce una influencia importante. A pesar de su evidente carácter creativo, esta profesión se suele considerar básicamente técnica. Quizás esto fuese cierto en los comienzos de la industria, ya que “el hombre de la cámara”, constituía un verdadero espectáculo y su equipo, muchas veces fabricado por él mismo, era francamente dificil de manejar.

Actualmente, el equipo es sólo un punto de partida. El material es más fiable, con técnicos de cámara e iluminación que se encargan de su correcto funcionamiento. Hoy en día, el director de fotografía dispone de más posibilidades para expresarse artísticamente debido, sin duda, al gran avance de la tecnología, aunque de cualquier forma, siguen siendo necesarios los conocimientos técnicos para el trabajo con la cámara.

El director de fotografía ejerce con su trabajo una enorme influencia en el proceso creativo, donde existen determinadas áreas en las que se pone claramente de manifiesto criterio y responsabilidad. En el terreno de la creación artística, los límites de su actuación son difíciles de definir, ya que muchas veces su actividad se solapa con la dirección o con la dirección artística. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. Si se establece una relación fluida, el director de fotografía influye determinantemente en la puesta en escena de la película, así como el director también influye en su visualización. De la colaboración entre ambos debe surgir un trabajo unificado e incluso una creación mutuamente inspirada.

Responsabilidades

El director de fotografía es la autoridad técnica antes de empezar a rodar. Sus decisiones, basadas en su intuición visual y su preparación conceptual se materializan de una forma real al rodar. Muchas veces, los esfuerzos creativos y técnicos de todo el equipo dependen de su buen hacer, siendo en ocasiones el responsable de las emociones que se producen en el espectador, al dirigir de una manera acertada el foco de atención, provocando sensaciones de alegría, miedo o suspenso. Por lo tanto, las decisiones tomadas por el director de fotografía pueden tener una influencia muy significativa en el éxito o fracaso de una película. La esfera de actuación del director de fotografía abarca todas las fases de la producción, desde la preparación y rodaje, hasta la finalización.

La preparación comienza normalmente varias semanas antes del rodaje. En ella se determinan los principios fundamentales de la estructura de la película y se toman decisiones sobre el equipo técnico y artístico. En este período, el guión se convierte en el principal punto de referencia para todos los miembros del equipo. Durante su desglose se van teniendo en cuenta los problemas a resolver, así como las diferentes técnicas a utilizar. Se mantienen numerosas conversaciones con el director sobre posibles cambios, conceptos dramáticos y de estilo, sugerencias sobre el reparto, etc. Mientras, con el departamento de producción se trabaja en el presupuesto, plan de trabajo, selección de los diferentes elementos técnicos, etc. Se estudian con el director artístico las diversas locaciones tanto exteriores como interiores, así como la realización técnica y artística de los decorados, teniendo en cuenta el tipo y emplazamiento de las fuentes de luz, además del concepto general del color. Con los estilistas y maquilladores se estudia el color del vestuario y los maquillajes más adecuados. En esta fase, el director, el director de fotografía, director artístico y productor estudian las diferentes posibilidades y hacen la selección final de las locaciones. También tienen lugar las primeras conversaciones sobre planificación. El director de fotografía comienza a trabajar en el concepto de la iluminación y determina la hora adecuada para el rodaje de cada secuencia en función de la posición del sol y otros condicionamientos. Se toman decisiones sobre las cámaras, tipo de película, material de iluminación y maquinista, además de seleccionar el laboratorio. Se ruedan pruebas de vestuario y maquillaje. Se comprueba el perfecto funcionamiento de la cámara, sometiendo a los objetivos a unos tests precisos para verificar su buen estado, comprobándose también la respuesta de las diferentes emulsiones en el laboratorio.

El rodaje es, sin duda, la fase decisiva en la producción de una película. La planificación de las secuencias exige un análisis concienzudo de los elementos dramáticos del guión para conseguir su adecuada utilización visual. El director y el director de fotografía estudian juntos la estructura de cada secuencia, decidiendo desde qué perspectiva la va a experimentar el espectador. Si será rodada en varios planos rápidos o por el contrario será resuelta con un lento movimiento a través del decorado. Si será contada en primeros planos o en planos generales… Del éxito de esta colaboración depende en gran manera la fluidez del rodaje. En esta fase se determinan los elementos esenciales que conformarán la película, como su duración, clima y ritmo. El director de fotografía tiene una gran influencia sobre el espectador y su respuesta emocional. Esta puede ser motivada por la elección de los diferentes objetivos, los movimientos de cámara o por medio de la angulación y altura de la cámara. La luz es responsabilidad total del director de fotografía y se considera habitualmente como su aportación más importante. La relación creativa de luces y sombras, teniendo en cuenta direcciones, tipos e intensidades de las fuentes luminosas, junto con el color, proporciona múltiples posibilidades creativas que afectan tanto a la atmósfera dramática, emocional y estética requerida por la secuencia, como al realce dramático de los actores y decorados. El efecto dramático y emocional de una imagen se puede alterar mediante la utilización de filtros y el tratamiento del color. Estos efectos se pueden conseguir filtrando la luz o usando filtros en la cámara. Antiguamente el trabajo de efectos especiales se hacía preferentemente en la cámara. Hoy en día, gracias a los espectaculares avances de la tecnología, la mayoría de los efectos se hacen en el proceso de postproducción. Asimismo, el director de fotografía debe asumir su parte de responsabilidad en que los costos de su departamento no excedan el presupuesto de forma imprevista.

La postproducción abarca las fases de montaje, realización de efectos especiales y sonorización. Durante este periodo la actuación del director de fotografía es sólo ocasional hasta que llegue el momento del tiraje de copias o la realización del telecine. Su labor puede incluir la supervisión del rodaje de efectos especiales o maquetas, a menudo rodadas por un segundo equipo. Antes del tiraje de las copias para las salas de exhibición, el director de fotografía debe ajustar el color y la luminosidad de cada uno de los planos para que el paso de uno a otro sea fluido, aunque en realidad hayan sido rodados en circunstancias muy diferentes. Es lo que llamamos etalonaje. Todavía en esta fase se pueden tomar algunas decisiones creativas variando los filtros de color y las intensidades de luz de la positivadora. En este punto termina el proceso de creatividad fotográfica de una producción. La última actuación del director de fotografía consiste en dar la aprobación final a las copias y al telecine de la obra realizada.

Aprendizaje

La mayoría han llegado a esta profesión tras un largo período de aprendizaje trabajando a las órdenes de otros que han sido sus maestros. Además de unos buenos conocimientos técnicos en el campo fotográfico, un director de fotografía debe desarrollar ampliamente el sentido de la vista, es decir “saber ver” de una manera especial y crítica. Una completa formación general, sobre todo en el campo pictórico y estilístico, le ayudará en la búsqueda de su propio estilo. Necesitará también cierta capacidad para soportar el stress físico y psicológico que generalmente acompaña a esta profesión. Como todo trabajo en equipo se necesita cierta destreza diplomática y habilidad para imponerse, además de aptitudes de organización. La formación de un director de fotografía no se termina nunca. Debe estar continuamente atento a las tendencias fotográficas siguiendo de cerca el trabajo de sus colegas y estudiando detalladamente las constantes innovaciones técnicas que se dan en el sector.

¿Qué es un film noir?

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Gracias a Corinne y a su ensayo sobre el film noir, podemos entenderlo de manera clara:

“En varias ocasiones lo menciono como un género per se, sin embargo, más bien es un conjunto de características que definen una ambientación, una sensación, un mood. El término lo inventó el crítico Nino Frank viendo los elementos comunes de algunas películas que se estaban produciendo en Hollywood (y no sólo, pero sobre todo) en la era de la II Guerra Mundial.

Gloria Swandon - Sunset Boulevard - Billy Wilder - 1950
Gloria Swandon – Sunset Boulevard – Billy Wilder – 1950

Entonces, ¿cuáles son esos elementos que conforman esta estética tan particular? En general, y por lo que Nino Frank acuñó el término, es por la fotografía en blanco y negro con altos contrastes, iluminación en chiaroscuro y ángulos expresionistas (Fritz Lang es uno de los directores que importó esa visión expresionista alemana a Estados Unidos), donde vemos que predominan las sombras y las zonas de oscuridad. Las escenas se rodaban en interiores con una sola fuente de iluminación, ventanas con persianas haciendo juegos geométricos, creando una atmósfera altamente claustrofóbica. Los exteriores son, en su mayoría, paisajes urbanos filmados de noche, con muchas sombras, luces de neón combinadas con las luces de los coches que pasan, el asfalto mojado, la ciudad sin duda es un personaje constante, sea cual sea ésta ciudad: hemos visto Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, Londres, París, Tokio y tantas otras).

femme fatale - Rita Hayworth (La Dama de Shangai - Orson Welles - 1947)
femme fatale – Rita Hayworth (La Dama de Shangai – Orson Welles – 1947)
Barbara Stanwyck en Double Indemnity (Billy Wilder, 1944)
femme fatale – Barbara Stanwyck en Double Indemnity (Billy Wilder, 1944)

En este tipo de películas se ven a menudo historias donde el personaje principal, normalmente un hombre cínico, obsesivo, desilusionado y alienado debe enfrentar situaciones que, en la mayor parte de las veces, conlleva un homicidio. No es una persona que busque el bien común, sólo busca su bienestar o su mera sobreviviencia. Su moralidad es dudosa, ya que no siente que haya importancia en estar ya sea de un lado o del otro de la legalidad. En muchos casos su perdición llega en forma de una mujer muy bella, la famosa femme fatale, que lo induce a actos que definirán su destino (muchas veces no es uno feliz). Y sí, en el noir percibimos toda la fuerza misógina de esa época donde la mujer no tiene escapatoria: o es una buena y dedicada ama de casa o es una pérfida que utiliza toda su sexualidad para perder a los hombres. Sin embargo nos encontramos con obras como The Big Heat donde se evidencia que la misma sociedad es misógina y cruel, dando a entender que, en realidad, las mujeres no tienen un verdadero espacio propio.

The Hard Boiled Detective
The Hard Boiled Detective

Lo que me gusta de los noir es el sentido deshumanizante que se percibe, puede ser que sea por la época de guerra y cuando prevalecía una gran pérdida de sentido. Se siente desde el inicio esa atmósfera opresiva, pesimista, fatalista y de extremo existencialismo. Inicias la película sabiendo que no terminará bien (y pensar que Hollywood se caracterizó por el happy ending) y en muy pocas ocasiones te contradicen. Sabes que los personajes están perdidos, que la sociedad en la que viven no le da lugar más que a la tragedia. Es el sentido triste y desesperanzador de la guerra.

film noir en Tokio
film noir en Tokyo

Creo que Hollywood llegó a su ápice en este período, entregándonos obras (muchas veces de bajo costo) con gran intensidad en manos de los más grandes directores que trabajaban en los estudios. Entre ellos destacan Billy Wilder, John Huston, Jules Dassin (aunque también trabajó en Europa realizando dos de las más grandes películas noir que he visto: Rififi y Night and the City), Fritz Lang, Orson Welles (quien creó deliciosas e intensas obras), Howard Hawks y claro está, Alfred Hitchock, entre otros. En Europa Jean Renoir, Marcel Carné, Carol Reed, Henry-Georges Clouzot, Jean-Pierre Melville impregnaron la visión de entre guerras, así como de la vivencia de la guerra y de la post-guerra. Claro, no puedo olvidar al gran Akira Kurosawa que nos dejó unas verdaderas joyas cinematográficas.

A manera de conclusión quería aclara que en realidad el término film noir no tiene límites definidos y que todavía está en debate cuáles son las características que lo componen. Más bien tiene que tener ese mood, tiene que sentirse como tal. Cuando vean una cinta de estas sólo disfrútenla y déjense llevar a ese mágico y escabroso mundo.

Aquí les dejo el enlace a la página de Wikipedia con la lista de los noir realizados a lo largo de la historia del cine.”

5 grandes escenas del cine que fueron improvisadas

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Toda gran película casi siempre nace de un buen guión aunque no es lo único necesario, el guión como columna vertebral de toda película debe someterse a todo cálculo para poder plasmarla integra en el film. El guión sin siquiera haber empezado a rodar o haber elegido a los actores, define gran parte de la película que se realizará.

Pero para descontento de los guionistas, muchas veces el guión de un film es sometido a constantes cambios que surgen por diferentes motivos: puede ser por simples hechos fortuitos, por exigencias de la producción o del rodaje, por decisiones creativas del director o por improvisación de los actores.

Estas últimas causas son las más interesantes, ya que al invalorable aporte que los actores brindan a los personajes construidos por el guionista, se le suma un aporte personal no calculado, no previsto, que puede marcar una gran diferencia e incluso convertirse en un momento clave o inolvidable del film.

A continuación veremos algunas de las grandes escenas del cine que no fueron guionadas.

Batman: El Caballero de la Noche (The Dark Knight, Christopher Nolan, 2008)

El aplauso de The Joker

La interpretación de Heath Ledger en esta película le valió el elogio y la admiración de todo el mundo. En esta escena en particular, The Joker se encuentra solo en una celda luego de haber sido atrapado por Jim Gordon (Gary Oldman).

Cuando llega el alcalde le informa a Gordon que ha sido ascendido a comisionado por lo que todos en la sala aplauden, incluyendo al Guasón.

Esto fue pura improvisación de Heath Ledger que, sin cambiar nunca su expresión facial, se sumó al coro de aplausos, agregándole a su personaje aún más de su característica y oscura ironía.

Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981)

El arma vs. el sable

Cuando el arqueólogo y aventurero Indiana Jones (Harrison Ford) seguía la pista para encontrar a Marion Ravenwood (Karen Allen) que había sido secuestrada, se encuentra en medio de la calle con un hombre que blande un enorme sable con actitud realmente malvada.

En lugar de involucrarse en una lucha en igualdad de condiciones, Indiana Jones simplemente saca su arma, le dispara y sigue su camino, dando lugar a una recordada y humorística escena.

El guión original indicaba que la escena sería precisamente una larga lucha de espadas, pero el día de la filmación Harrison Ford tuvo una intoxicación por algo que comió y estaba muy débil para rodar la escena como indicaba el guión.

El Padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972)

El gato

En la escena de apertura de El Padrino, vemos como un hombre habla dolorosamente acerca de cómo golpearon a su hija y de cómo la policía no ha podido hacer nada al respecto. Minutos después vemos la silueta de Vito Corleone (Marlon Brando) que desde su primera aparición ya impone todo su poder y respeto.

Luego, mientras le suelta al afligido hombre un discurso acerca del respeto y la justicia, un gato gris se sube cariñosamente a su regazo.

Esto no estaba previsto en el guión y aún no se sabe ciertamente cómo fue que el gato llegó al set de filmación. Una versión dice que el gato simplemente apareció allí y el director lo empujó hacia Marlon Brando de repente, mientras que otra versión sostiene que fue el actor el que encontró el gato por ahí y decidió que lo acompañara en esa escena.

Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976)

¿Me estás hablando a mí?

Esta escena probablemente esté emparejada con la anterior en cuanto al lugar que ocupa en la cultura popular: una escena icónica que con la simple mención de una frase o con una simple imagen uno ya reconoce de qué se está hablando.

Es la del personaje Travis Bickle (Robert De Niro) hablándole al espejo. El guionista de Taxi Driver, Paul Schrader, escribió en el guión únicamente la siguiente frase para la escena: “Travis se habla a sí mismo enfrente al espejo”. No especificaba ningún diálogo.

La histórica expresión “¿Me estás hablando a mí?” con la que el personaje entabla un imaginario diálogo con el espejo fue producto de la improvisación de De Niro.

 

El Silencio de los Inocentes (1991)

La primera vez que Clarice Starling conoce a Hannibal Lecter, este le cuenta como se comió el hígado de un encuestador del censo con “habas y una botella de Chianti”. Al terminar la frase, Lecter emite un escalofriante sonido a medio camino entre el siseo y el sorbido. El célebre sonido era, en realidad, una broma que había ideado Anthony Hopkins para asustar a Jodie Foster durante los ensayos. A Jonathan Demme le gustó y decidió mantenerlo para multiplicar el impacto de la escena. Estaba en lo cierto.