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CATERHAM SE LANZA AL MUNDO DE LAS E-BIKES

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Caterham, conocido fabricante británico famoso por sus coches deportivos y por ser propietario de un equipo de F1, ha aprovechado al celebración de la EICMA en Milan (una de las ferias de las dos ruedas más importantes del mundo) para presentar su nueva división de vehículos de dos ruedas, entre las que se encontraban dos e-bikes con un aspecto nada convencional: la Caterham Classic E-Bike y la Caterham Carbon E-Bike.

Los dos modelos de e-bikes presentados por Caterham cuentan con dos lineas totalmente diferentes, la Classic que se inspira en las motos con aspecto retro y la Carbon, con un diseño de lineas futuristas y muy radical.

CATERHAM CLASSIC E-BIKE

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Con una estética completamente vintage que recuerda a una moto antigua, el modelo Classic cuenta con un motor eléctrico Panasonic con una potencia de 250 watios, colocado sobre un chasis de aluminio (difícilmente podemos llamar a semejante armatoste cuadro), que incorpora detalles decorativos como lo que parece ser un deposito de combustible que resulta ser un compartimento para trasladar nuestras cosas y que alberga la batería de 36 V.

Para la transmisión, en Caterham han optado por un buje Shimano Nexus de 3 marchas que permite alcanzar a la Classic E-Bike alcanzar velocidades de 40-80 km/h y que se puede manejar desde la pantalla LED situada en el manillar, que ademas ofrece información sobre la autonomía y modo de funcionamiento.

Parece que solo habrá una talla disponible, pero podremos variarla a través de las tres posiciones de las que dispone de sillín.

CATERHAM CARBON E-BIKE

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La segunda e-bike que ha presentado Carteham es la Carbon, justo en la linea contraria de la Classic. Todo es innovación esta e-bike, desde los materiales hasta su diseño de lineas futuristas y agresivas.

Las monstruosas ruedas de 4,8″ dan vida al cuadro de fibra de carbono y aluminio de doble suspensión, cuyo brazo de suspensión trasero, que recuerda a una moto de cross, es gestionado por un amortiguador de los italianos de Marzocchi.

El motor es idéntico al de la Classic, pero en esta ocasión el Shimano Nexus es de 8 velocidades, y si decíamos que las ruedas eran monstruosas, el disco de freno delantero de Magura no se queda atrás.

La Caterham Carbon E-Bike también contará con pantalla LED, que al igual que en la Classic, mostrara datos sobre la autonomía, velocidad o marcha engranada.

Todavía no se conoce ni precio ni fecha de lanzamiento de ninguno de los dos modelos, pero es de suponer que baratas, lo que se dice baratas no van a ser.

Disfruta de los detalles de esta maravilla de la ingeniería en el siguiente video:

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Los 10 mejores planos secuencia de la historia del cine

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Un plano secuencia es, en el cine, una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado, pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición de un escenario. Se puede utilizar para un efecto dramático y narrativo si se hace correctamente, y en tomas en movimiento a menudo se logra mediante el uso de una plataforma rodante o una Steadicam.

A propósito de ello, hemos decidido realizar un top 10 con los mejores planos secuencia de la historia del cine. Una lista en la que aparecen nombres como Orson Wells, Martin Scorsese, Alfonso Cuarón o Quentin Tarantino es para considerarlo. Aun con todo, y como dice el popular dicho, “no son todos los que están, ni están todos los que son”, pero aquí están:

HIJOS DE LOS HOMBRES (2006)

Director: Alfonso Cuarón.

Cinco actores, un coche y una cámara en movimiento. El magistral plano secuencia del mexicano Alfonso Cuarón es un ejercicio de estilo cinematográfico excepcional. Unos movimientos de cámara horizontales y de 180 º, junto a numeroso grupo de extras que aparecen de repente en el bosque, componen una de las escenas de acción más intensas de las últimas décadas.

BOOGIE NIGHTS (1997)

Director: Paul Thomas Anderson.

En este plano secuencia, Paul Thomas Anderson nos presenta los alrededores del club nocturno con unos movimientos de cámara diagonales, seguido de un seguimiento con steadicam al cadillac que conduce Burt Reynolds, y una introducción en el ambiente, las fiestas y los bailes del club.

SED DE MAL (1958)

Director: Orson Wells.

Uno de los planos secuencia más famosos del cine a cargo del maestro Orson Wells. Un ejemplo de sincronización, tanto de actores y extras como de los automóviles que circulan por el pequeño barrio situado en la frontera entre México y Estados Unidos.

EXPIACIÓN, MÁS ALLÁ DE LA PASIÓN (2007)

Director: Joe Wright.

Joe Wright sigue a James McAvoy en otro ejemplo de coordinación y coreografía con elementos que incluyen disparos, pirotecnia, vehículos, efectos especiales, cantos y diálogos que funcionan y encajan a la perfección.

LA INVENCIÓN DE HUGO (2011)

Director: Martin Scorsese.

El plano secuencia que cierra La Invención de Hugo filmado por Scorsese. Movimientos de cámara perfectos y sincronización de actores todavía mejor. Este vídeo es un detrás de las cámaras realmente espectacular.

TOM YUN GOON (THE PROTECTOR) (2005)

Director: Prachya Pinkaew.

La película Tailandesa dirigida por Prachya Pinkaew contiene uno de los planos secuencia más espectaculares que se hayan visto. En concreto, esta pelea en un restaurante de varios pisos. Golpes, patadas, sillas voladoras…espectacular.

EL SECRETO DE TUS OJOS (2009)

Director: JUAN JOSÉ CAMPANELLA

Tardaron en rodarla tres días por la complejidad de su grabación. Recuerda que lo más complicado de todo fue tirarse desde una altura de cinco metros; con cameraman y todo. Estaba sujeto por varios operarios mediante un arnés y cuerdas, y estaba todo calculado al milímetro.

UNO DE LOS NUESTROS (1990)

Director: Martin Scorsese.

Scorsese filma con steadicam a Ray Liotta y Lorraine Bracco en su entrada al restaurante. Ambos personajes entran por la puerta trasera y recorren todo el local hasta llegar al escenario. Esto nos permite descubrir el interior del mismo (la cocina, los pasillos…) y el ambiente que se respira dentro.

KILL BILL VOL. 1 (2003)

Director: Quentin Tarantino.

Un travelling que comienza en la pista de baile y sigue a Uma Thurman hasta los lavabos del restaurante propiedad de O-Ren Ishii (Lucy Liu) con continuos movimientos de cámara horizontales y diagonales.

OLDBOY (2003)

Director: Park Chan-wook

Travelling lateral con la famosa escena del corredor en Oldboy. La escena de la pelea se rodó diecisiete veces durante tres días, y fue toma continua, sin ningún tipo de edición a excepción del cuchillo con el que es apuñalado en la espalda Oh Dae-su, que fueron imágenes generadas por ordenador.

Mención especial: EL ARCA RUSA (2002)

Director: Alexandr Sokurov.

Una mención especial merece El Arca Rusa por ser la primera película comercial sin editar rodada en una sola toma de 90 minutos con steadicam. Fue filmada el 23 de diciembre de 2001 en el Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia).

Mención especial II: EL RESPLANDOR (1980)

Director: Stanley Kubrick.

No podía faltar en famoso plano de El Resplandor, filmado por Garret Brown, inventor de la steadicam. El plano secuencia sigue a Danny mientras recorre con su triciclo  los pasillos del Hotel Overlook.

A 20 años de Forrest Gump, 20 curiosidades del film, que no sabías.

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A dos décadas del estreno de la película protagonizada por Tom Hanks y basada en la novela homónima, te dejamos algunas curiosidades del filme que posiblemente no conocías.

Este año se cumplen dos décadas desde el estreno de la película Forrest Gump, filme basado en la novela homónima del escritor Winston Groom que contó con la actuación estelar de Tom Hanks, entre otras interpretaciones destacadas.

El largometraje fue todo un éxito en taquilla y recibió alabanzas de la crítica. Para conmemorar su cumpleaños número 20 haremos un repaso por 20 curiosidades sobre este filme que fueron rescatadas del portal El-nacional.com. ¿Cuál llamó más tu atención?

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1. Tom Hanks  se convirtió en el  segundo  actor  en  ganarse  el premio  Oscar de forma consecutiva como Mejor Actor por su trabajo en Forrest Gump. El primer actor en lograr tal hazaña fue Spencer Tracy por Captains Courageous (1937) y Boys Town (1938).

2. Bill Murray, John Travolta y Chevy Chase rechazaron el papel que luego realizó Tom Hanks. John Travolta incluso admitió que no estaba arrepentido de haber rechazado el rol.

3. Tom Hanks pensó que el filme sería “una película de consumir y olvidar”. Nunca imaginó el éxito que tuvo.

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4. En la película, Forrest establece una entrañable amistad en la guerra con el personaje de Benjamin Buford “’Bubba” Blue, con quien habla de establecer un negocio de pesca de camarones, pero Bubba muere en combate. En su honor, Forrest abre la firma Bubba Gump Shrimp Company. En 1996, Viacom funda realmente la cadena de restaurantes Bubba Gump Shrimp Company que, actualmente, cuenta con más de 30 sucursales en todo el mundo.

5. El condado de Greenbow en el estado de Alabama, donde Forrest dice nacer, no existe en realidad.

6. El hermano menor de Tom Hanks, Jim Hanks, dobló muchas de las escenas en las que el actor aparece corriendo.

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7. La razón por la que Forrest habla pausado es porque el actor Michael Conner Humphreys, que interpretó a Forrest de niño, se limitaba a hablar con su voz natural. Así que Hanks optó por imitar su voz para el personaje adulto.

8. La película recaudó $677, 387,716 solamente en taquilla  en todo el mundo.

9. Según el portal  Box Office Mojo Forrest Gump ocupa la posición número 69 entre las 100 películas más taquilleras de la historia.

10. La secuencia donde se muestra a uno de los antepasados de Forrest, surge del clásico The Birth of a Nation de Griffith, con aparición de los racistas del Ku Klux Klan. Incluso esa secuencia se exhibe en blanco y negro con imágenes aceleradas como en un filme de principios del siglo. Esa  película es de 1915.

11. Forrest Gump ganó seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Robert Zemeckis), y Mejor Actor (Tom Hanks).

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12. En los Golden Globes se llevó los premios a Mejor Director, Mejor Actor en drama y Mejor  Película.

13. Cuando en la película Forrest comienza a correr sin sentido, entre las imágenes de lugares que  se exhiben, hay una en la que está subiendo una cuesta en curva. Esa curva se bautizó como “The Forrest Gump Curve”, La curva de Forrest, y está en “Grandfather Mountain” en  North Carolina.  Es un lugar de peregrinaje para algunos seguidores de la película.

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14. En una escena el personaje de Gary Sinise (Teniente Dan) le dice a Forrest (Hanks) que el día en que sea capitán de un barco pesquero él será astronauta. Al año siguiente, Hanks y Sinise protagonizaron Apolo 13 dando vida a dos astronautas.

15. Cuando a Forrest se lo ve junto a John Lennon en un set de televisión, Forrest habla de cómo era la vida en China, sin posesiones materiales, ni religión. El presentador ahí le dice que es difícil de imaginar mientras John Lennon argumenta  que es fácil si lo intentas. Esta son frases que aparecen en la canción Imagine de Lennon.

16. El  actor Kurt Russell es quien le puso voz al personaje de Elvis Presley al comienzo del filme. Curiosamente Russell encarnó al Rey del rock en una miniserie sobre su vida dirigida por John Carpenter.

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17. Si bien es cierto que el filme tiene sucesos históricos también deja al descubierto varias incoherencias. Por ejemplo, la carta que recibe por parte de Apple data de la fecha del 23 de septiembre de 1975, pero la compañía se fundó un año después.

18. Otra de las incoherencias históricas es sobre el periódico “Usa Today”, diario que fue fundado años después de la línea de tiempo de la trama.

19. Cuando el pequeño Forrest aborda el autobús escolar por primera vez, hay un niño que le niega el asiento. Ese papel es interpretado por Alex Zemeckis, hijo del director del filme.

20. Siempre que en la película Forrest está recordando algo utiliza una camisa azul.

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¿Quién es el director de fotografía?

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El concepto de director de fotografía se refiere a: la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; para la realización de películas, series, documentales e incluso spots publicitarios.

Dentro de la estructura del equipo de producción, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. En particular, la iluminación, la composición visual y los movimientos de cámara, pudiendo manejarla él mismo o el operador de cámara. El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo técnico como el artístico, y su labor consiste en crear la visualización cinematográfica en colaboración con el director.

Independientemente de que los trabajos del director de fotografía sean tomados en celuloide, cinta magnética, videodisco u otros sistemas de almacenamiento de imágenes, nos referiremos a ellos utilizando el término “cinematográfico“. Asimismo, cuando decimos “película” entendemos cualquier obra audiovisual, independientemente del soporte utilizado, duración y destino final.

Arte y técnica

La visualización cinematográfica es la parte de la actividad creativa en la que el director de fotografía ejerce una influencia importante. A pesar de su evidente carácter creativo, esta profesión se suele considerar básicamente técnica. Quizás esto fuese cierto en los comienzos de la industria, ya que “el hombre de la cámara”, constituía un verdadero espectáculo y su equipo, muchas veces fabricado por él mismo, era francamente dificil de manejar.

Actualmente, el equipo es sólo un punto de partida. El material es más fiable, con técnicos de cámara e iluminación que se encargan de su correcto funcionamiento. Hoy en día, el director de fotografía dispone de más posibilidades para expresarse artísticamente debido, sin duda, al gran avance de la tecnología, aunque de cualquier forma, siguen siendo necesarios los conocimientos técnicos para el trabajo con la cámara.

El director de fotografía ejerce con su trabajo una enorme influencia en el proceso creativo, donde existen determinadas áreas en las que se pone claramente de manifiesto criterio y responsabilidad. En el terreno de la creación artística, los límites de su actuación son difíciles de definir, ya que muchas veces su actividad se solapa con la dirección o con la dirección artística. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. Si se establece una relación fluida, el director de fotografía influye determinantemente en la puesta en escena de la película, así como el director también influye en su visualización. De la colaboración entre ambos debe surgir un trabajo unificado e incluso una creación mutuamente inspirada.

Responsabilidades

El director de fotografía es la autoridad técnica antes de empezar a rodar. Sus decisiones, basadas en su intuición visual y su preparación conceptual se materializan de una forma real al rodar. Muchas veces, los esfuerzos creativos y técnicos de todo el equipo dependen de su buen hacer, siendo en ocasiones el responsable de las emociones que se producen en el espectador, al dirigir de una manera acertada el foco de atención, provocando sensaciones de alegría, miedo o suspenso. Por lo tanto, las decisiones tomadas por el director de fotografía pueden tener una influencia muy significativa en el éxito o fracaso de una película. La esfera de actuación del director de fotografía abarca todas las fases de la producción, desde la preparación y rodaje, hasta la finalización.

La preparación comienza normalmente varias semanas antes del rodaje. En ella se determinan los principios fundamentales de la estructura de la película y se toman decisiones sobre el equipo técnico y artístico. En este período, el guión se convierte en el principal punto de referencia para todos los miembros del equipo. Durante su desglose se van teniendo en cuenta los problemas a resolver, así como las diferentes técnicas a utilizar. Se mantienen numerosas conversaciones con el director sobre posibles cambios, conceptos dramáticos y de estilo, sugerencias sobre el reparto, etc. Mientras, con el departamento de producción se trabaja en el presupuesto, plan de trabajo, selección de los diferentes elementos técnicos, etc. Se estudian con el director artístico las diversas locaciones tanto exteriores como interiores, así como la realización técnica y artística de los decorados, teniendo en cuenta el tipo y emplazamiento de las fuentes de luz, además del concepto general del color. Con los estilistas y maquilladores se estudia el color del vestuario y los maquillajes más adecuados. En esta fase, el director, el director de fotografía, director artístico y productor estudian las diferentes posibilidades y hacen la selección final de las locaciones. También tienen lugar las primeras conversaciones sobre planificación. El director de fotografía comienza a trabajar en el concepto de la iluminación y determina la hora adecuada para el rodaje de cada secuencia en función de la posición del sol y otros condicionamientos. Se toman decisiones sobre las cámaras, tipo de película, material de iluminación y maquinista, además de seleccionar el laboratorio. Se ruedan pruebas de vestuario y maquillaje. Se comprueba el perfecto funcionamiento de la cámara, sometiendo a los objetivos a unos tests precisos para verificar su buen estado, comprobándose también la respuesta de las diferentes emulsiones en el laboratorio.

El rodaje es, sin duda, la fase decisiva en la producción de una película. La planificación de las secuencias exige un análisis concienzudo de los elementos dramáticos del guión para conseguir su adecuada utilización visual. El director y el director de fotografía estudian juntos la estructura de cada secuencia, decidiendo desde qué perspectiva la va a experimentar el espectador. Si será rodada en varios planos rápidos o por el contrario será resuelta con un lento movimiento a través del decorado. Si será contada en primeros planos o en planos generales… Del éxito de esta colaboración depende en gran manera la fluidez del rodaje. En esta fase se determinan los elementos esenciales que conformarán la película, como su duración, clima y ritmo. El director de fotografía tiene una gran influencia sobre el espectador y su respuesta emocional. Esta puede ser motivada por la elección de los diferentes objetivos, los movimientos de cámara o por medio de la angulación y altura de la cámara. La luz es responsabilidad total del director de fotografía y se considera habitualmente como su aportación más importante. La relación creativa de luces y sombras, teniendo en cuenta direcciones, tipos e intensidades de las fuentes luminosas, junto con el color, proporciona múltiples posibilidades creativas que afectan tanto a la atmósfera dramática, emocional y estética requerida por la secuencia, como al realce dramático de los actores y decorados. El efecto dramático y emocional de una imagen se puede alterar mediante la utilización de filtros y el tratamiento del color. Estos efectos se pueden conseguir filtrando la luz o usando filtros en la cámara. Antiguamente el trabajo de efectos especiales se hacía preferentemente en la cámara. Hoy en día, gracias a los espectaculares avances de la tecnología, la mayoría de los efectos se hacen en el proceso de postproducción. Asimismo, el director de fotografía debe asumir su parte de responsabilidad en que los costos de su departamento no excedan el presupuesto de forma imprevista.

La postproducción abarca las fases de montaje, realización de efectos especiales y sonorización. Durante este periodo la actuación del director de fotografía es sólo ocasional hasta que llegue el momento del tiraje de copias o la realización del telecine. Su labor puede incluir la supervisión del rodaje de efectos especiales o maquetas, a menudo rodadas por un segundo equipo. Antes del tiraje de las copias para las salas de exhibición, el director de fotografía debe ajustar el color y la luminosidad de cada uno de los planos para que el paso de uno a otro sea fluido, aunque en realidad hayan sido rodados en circunstancias muy diferentes. Es lo que llamamos etalonaje. Todavía en esta fase se pueden tomar algunas decisiones creativas variando los filtros de color y las intensidades de luz de la positivadora. En este punto termina el proceso de creatividad fotográfica de una producción. La última actuación del director de fotografía consiste en dar la aprobación final a las copias y al telecine de la obra realizada.

Aprendizaje

La mayoría han llegado a esta profesión tras un largo período de aprendizaje trabajando a las órdenes de otros que han sido sus maestros. Además de unos buenos conocimientos técnicos en el campo fotográfico, un director de fotografía debe desarrollar ampliamente el sentido de la vista, es decir “saber ver” de una manera especial y crítica. Una completa formación general, sobre todo en el campo pictórico y estilístico, le ayudará en la búsqueda de su propio estilo. Necesitará también cierta capacidad para soportar el stress físico y psicológico que generalmente acompaña a esta profesión. Como todo trabajo en equipo se necesita cierta destreza diplomática y habilidad para imponerse, además de aptitudes de organización. La formación de un director de fotografía no se termina nunca. Debe estar continuamente atento a las tendencias fotográficas siguiendo de cerca el trabajo de sus colegas y estudiando detalladamente las constantes innovaciones técnicas que se dan en el sector.

5 grandes escenas del cine que fueron improvisadas

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Toda gran película casi siempre nace de un buen guión aunque no es lo único necesario, el guión como columna vertebral de toda película debe someterse a todo cálculo para poder plasmarla integra en el film. El guión sin siquiera haber empezado a rodar o haber elegido a los actores, define gran parte de la película que se realizará.

Pero para descontento de los guionistas, muchas veces el guión de un film es sometido a constantes cambios que surgen por diferentes motivos: puede ser por simples hechos fortuitos, por exigencias de la producción o del rodaje, por decisiones creativas del director o por improvisación de los actores.

Estas últimas causas son las más interesantes, ya que al invalorable aporte que los actores brindan a los personajes construidos por el guionista, se le suma un aporte personal no calculado, no previsto, que puede marcar una gran diferencia e incluso convertirse en un momento clave o inolvidable del film.

A continuación veremos algunas de las grandes escenas del cine que no fueron guionadas.

Batman: El Caballero de la Noche (The Dark Knight, Christopher Nolan, 2008)

El aplauso de The Joker

La interpretación de Heath Ledger en esta película le valió el elogio y la admiración de todo el mundo. En esta escena en particular, The Joker se encuentra solo en una celda luego de haber sido atrapado por Jim Gordon (Gary Oldman).

Cuando llega el alcalde le informa a Gordon que ha sido ascendido a comisionado por lo que todos en la sala aplauden, incluyendo al Guasón.

Esto fue pura improvisación de Heath Ledger que, sin cambiar nunca su expresión facial, se sumó al coro de aplausos, agregándole a su personaje aún más de su característica y oscura ironía.

Los Cazadores del Arca Perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981)

El arma vs. el sable

Cuando el arqueólogo y aventurero Indiana Jones (Harrison Ford) seguía la pista para encontrar a Marion Ravenwood (Karen Allen) que había sido secuestrada, se encuentra en medio de la calle con un hombre que blande un enorme sable con actitud realmente malvada.

En lugar de involucrarse en una lucha en igualdad de condiciones, Indiana Jones simplemente saca su arma, le dispara y sigue su camino, dando lugar a una recordada y humorística escena.

El guión original indicaba que la escena sería precisamente una larga lucha de espadas, pero el día de la filmación Harrison Ford tuvo una intoxicación por algo que comió y estaba muy débil para rodar la escena como indicaba el guión.

El Padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972)

El gato

En la escena de apertura de El Padrino, vemos como un hombre habla dolorosamente acerca de cómo golpearon a su hija y de cómo la policía no ha podido hacer nada al respecto. Minutos después vemos la silueta de Vito Corleone (Marlon Brando) que desde su primera aparición ya impone todo su poder y respeto.

Luego, mientras le suelta al afligido hombre un discurso acerca del respeto y la justicia, un gato gris se sube cariñosamente a su regazo.

Esto no estaba previsto en el guión y aún no se sabe ciertamente cómo fue que el gato llegó al set de filmación. Una versión dice que el gato simplemente apareció allí y el director lo empujó hacia Marlon Brando de repente, mientras que otra versión sostiene que fue el actor el que encontró el gato por ahí y decidió que lo acompañara en esa escena.

Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976)

¿Me estás hablando a mí?

Esta escena probablemente esté emparejada con la anterior en cuanto al lugar que ocupa en la cultura popular: una escena icónica que con la simple mención de una frase o con una simple imagen uno ya reconoce de qué se está hablando.

Es la del personaje Travis Bickle (Robert De Niro) hablándole al espejo. El guionista de Taxi Driver, Paul Schrader, escribió en el guión únicamente la siguiente frase para la escena: “Travis se habla a sí mismo enfrente al espejo”. No especificaba ningún diálogo.

La histórica expresión “¿Me estás hablando a mí?” con la que el personaje entabla un imaginario diálogo con el espejo fue producto de la improvisación de De Niro.

 

El Silencio de los Inocentes (1991)

La primera vez que Clarice Starling conoce a Hannibal Lecter, este le cuenta como se comió el hígado de un encuestador del censo con “habas y una botella de Chianti”. Al terminar la frase, Lecter emite un escalofriante sonido a medio camino entre el siseo y el sorbido. El célebre sonido era, en realidad, una broma que había ideado Anthony Hopkins para asustar a Jodie Foster durante los ensayos. A Jonathan Demme le gustó y decidió mantenerlo para multiplicar el impacto de la escena. Estaba en lo cierto.

 

 

Producción de videoclip sin cortes

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La banda de música Indie Rock OK GO publicó la semana pasada su nuevo videoclip titulado ‘The Writing’s On The Wall’ en solo 7 días ha sido reproducida 7 millones de veces, la mezcla de buena música con coreografía e ilusión óptica perfectamente sincronizada.

El video trata acerca de la perspectiva; las ilusiones son reales, por así decirlo, y eso es lo que hace que este asombroso, las imágenes en perspectiva, un dibujo de línea plana que se ve en tres dimensiones, pero no lo es y muchas otras cosas que se ven y no son reales que me hace cuestionar la percepción y cuántas horas de planificación y trabajo para lograr esta obra de arte que juega con nuestro cerebro.

Este video tras cámaras, busca ampliar su percepción y explicar un poco como fue producido. En un correo electrónico, Damien Kulash, el cantante de OK Go y también el co-director del video, nos dijo: “Creo que me encanta este [making of] de vídeo tanto como el propio vídeo musical. Muestra cuánto más intenso y complicado es la coreografía se muestra lo difícil fuera de la pantalla de lo que en el video se ve y me encanta ver al equipo increíble. Ellos son las estrellas de rock, un grupo increíble de personas.

Los otros directores del video musical original, incluyen Aaron Duffy (miren su web) y Bob Partington. El video de una sola toma se hizo en una sola cámara en mano, con 28 diferentes ilusiones creadas en un gigante estudio en Brooklyn. La instalación tomó cerca de tres semanas, con la participación de más de 50 personas. Tim Norwind, el bajista de la banda, piensa que era la más difícil de sus videos – no sólo porque tenía que afeitarse la mitad de la barba debido a la coreografía sino también por los los nueve trajes que cambiaron en tiempo real.

La canción ‘The Writing’s On The Wall’ es el primer sencillo del cuarto y próximo álbum de la banda, “Hungry Ghosts”, que sale el 14 de octubre.

Grabar video con cámaras DSLR

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Canon Tradicionalmente la fotografía y el video eran dos profesiones que requerían conocimiento y equipos distintos, pero los avances de en la tecnología nos permiten ahora, unificar cada vez más varias funciones en un solo dispositivo.

Los equipos de grabación de video están siendo desplazados por un equipo que tradicionalmente era el primordial para la captura estática de esos maravillosos instantes de la naturaleza.

Es así que hoy la cámara fotográfica ofrece el sistema de grabación de video que cada vez más compite con las cámaras tradicionales; estamos hablando de que en la actualidad muchos productores, realizadores y directores prefieren trabajar con una cámara DSLR que invertir cuantiosas cantidades de dinero en una cámara de video profesional.

Actualmente grabar cortometrajes, anuncios comerciales, entrevistas, vídeo se lo realiza en las cámaras DSLR. Ahí es donde se ha avanzado más gracias a diferentes factores. Y es que, sin duda la posibilidad de usar objetivos intercambiables y la combinación de los sensores con los procesadores actuales han conseguido que explote un nuevo mercado.

canon2Ventajas de las cámaras DSLR frente a las tradicionales videocámaras

Las mejoras que se han venido realizando en las cámaras fotográficas han sido notables. Han pasado de una resolución de 720p a 1080p, mejores procesadores para manejar cada vez más información a formatos de compresión más óptimos, adicionalmente mejoras también de los sensores, sistemas de enfoque y configuraciones que hasta hace poco solo las cámaras de video las tenían.

Por todo ello en el campo de la producción audiovisual para muchos aficionados al vídeo y cineastas independientes la posibilidad de usar cámaras DSLR ha supuesto toda una revolución. Calidad a un precio razonable si lo comparamos con sistemas de vídeo profesionales.

Luego, podríamos resumir como ventajas de las DSLR los siguientes puntos:

  • Peso y tamaño reducido.
  • Lentes intercambiables (angulares, zoom, control sobre profundidad de campo, luminosidad, etc..)
  • Versatilidad y calidad de la grabación.

Pero claro, también hay aspectos negativos. El tamaño y peso hace que necesitemos algún sistema para estabilizar el vídeo (trípodes, steadycam, rig,…). También hay que tener en cuenta el enfoque que es manual. Por último, el audio no es de buena calidad y a veces el micrófono integrado capta el ruido de la lente o manipulación de la cámara por lo que tendremos que recurrir a micros externos.

A continuación dos ejemplos de cortometrajes grabados con cámaras DSLR

Freedom de Roberto Alvarez Tostado con una Canon 7D

Fragmentos cortometraje de Fabrice Abuaf en Nikon 5100