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Del tráiler al sneak peek, 4 recursos para promocionar tu obra.

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Cuando realizamos una obra: película, documental, corto, videoclip, spot u otro producto audiovisual necesitamos promocionar de inmediato a nuestra audiencia, para que se vuelvan locos de curiosidad y quieran realmente verla; existen 4 recursos que se usan comunmente, y aunque la mayoría buscan un objetivo similar, no significan lo mismo y cada uno tiene su justificación y parámetros de uso.

El teaser y el tráiler

Dos recursos audiovisuales para crear expectación y atraer a los espectadores, el teaser y el tráiler, buscan dar a conocer una interesante historia que aunque con impactantes imágenes y efectos de sonido ensordecedores te dejarán con la intriga de que es lo que va a suceder.

Un teaser (cuya traducción es rompecabezas) en definición global es el avance de una pequeña parte del producto con el propósito de dejar a la audiencia con partes incompletas de la historia, lo que despertará una curiosidad extrema acerca de lo que sucede o de que trata la historia, puede estar compuesta de una o varias escenas, pero sin un orden lógico.

No es necesario que se aprecie el elenco ni el argumento, sólo proyecta algunas escenas, de forma enigmática, misteriosa, para captar la atención del espectador. Su duración no llega al minuto y medio, habitualmente son secuencias agrupadas que oscilan entre los 50 o 60 segundos.

A continuación dos ejemplos de teaser:

Un tráiler (cuya traducción es remolque “trailer” gracias a que en un principio se proyectaban después de la película principal, pero al ver que los asistentes abandonaban las salas, se decidió proyectarlas al inicio.), consiste en un breve resumen, (menos de 3 minutos) de la obra cinematográfica, en donde acompañadas de una musicalización relacionada a la película y efectos de sonido, trata de manera rápida sobre el argumento y la trama de la película dejándola sin desenlace.

Su objetivo es presentar el film que está publicitando, la trama general, el entorno en el que tendrá lugar y a todos los personajes protagonistas.

A continuación dos ejemplos de tráiler:

Una promo (de promocional) es un fragmento, de hasta 1 minuto, que cuenta una historia breve sin desenlace, puede estar acompañada de una voz en off y también de información adicional de la historia. Podría compararse con un trailer pero mas corto y se usa mucho como avance de próximos capítulos de una serie. Su función es dar un adelanto de lo que va a suceder enlazado al capítulo actual.

Finalmente un sneak peek, es como su traducción indica, un vistazo de la obra, puede ser una o varias secuencias sin alterarlas, tal y como salen transmitidas. No se utilizan ni efectos, ni musicalización, es una probada de la serie en tiempo real y continua.

Su objetivo, es mostrar el producto tal y como es. Dependerá de la Escena escogida para lograr una mejor respuesta. Aquí dos ejemplos.

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Un anuncio de la firma de lencería Lane Bryant, censurado en EEUU

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Tendría que haber sido emitido en los principales canales estadounidenses como ABC y FOX, pero en realidad, los televidentes no lo han visto nunca. Se trata del anuncio de la línea de lencería Lane Bryant, dirigida a las mujeres con tallas grandes, censurado en la televisión estadounidense.

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En el anuncio, que se puede ver en YouTube, se ve a una chica que lleva algunos modelos de la línea de lencería Lane Bryant. Mientras se los prueba, está quedando por SMS con un hombre.

Tras ponerse un abrigo encima de la ropa interior, sale de casa y hace un guiño a la videocámara.

Nada de provocativo para que la ABC y la FOX no quieran retransmitir este anuncio. Sobre la censura de este spot se han creado varias polémicas hipótesis en internet.

Detrás de escenas de la publicidad de Gillette “100 años de pelo”

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Gillette tiene más de 100 años en el mercado, fue fundada en 1901. Y para rendir tributo a estos más de 100 años, sacó una publicidad para una nueva afeitadora en stop motion rememorando los distintos tipos de estilos de cabellos, barbas y bigotes de los hombres en todo este tiempo. La producción duró 4 días y muestra todo el nivel de detalle que se aplica para lograr un stop motion de este nivel.

Así fue como lo hicieron:

Vía FStoppers

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50 fotos de actores tras cámaras de películas taquilleras

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Cuando las cámaras dejan de grabar, estas estrellas de cine disfrutan de su tiempo de descanso como todo el mundo. Estas fotos de actores tras cámaras cambiarán tu forma de verlos en las películas. ¿Estas listo?

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Producción de videoclip sin cortes

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La banda de música Indie Rock OK GO publicó la semana pasada su nuevo videoclip titulado ‘The Writing’s On The Wall’ en solo 7 días ha sido reproducida 7 millones de veces, la mezcla de buena música con coreografía e ilusión óptica perfectamente sincronizada.

El video trata acerca de la perspectiva; las ilusiones son reales, por así decirlo, y eso es lo que hace que este asombroso, las imágenes en perspectiva, un dibujo de línea plana que se ve en tres dimensiones, pero no lo es y muchas otras cosas que se ven y no son reales que me hace cuestionar la percepción y cuántas horas de planificación y trabajo para lograr esta obra de arte que juega con nuestro cerebro.

Este video tras cámaras, busca ampliar su percepción y explicar un poco como fue producido. En un correo electrónico, Damien Kulash, el cantante de OK Go y también el co-director del video, nos dijo: “Creo que me encanta este [making of] de vídeo tanto como el propio vídeo musical. Muestra cuánto más intenso y complicado es la coreografía se muestra lo difícil fuera de la pantalla de lo que en el video se ve y me encanta ver al equipo increíble. Ellos son las estrellas de rock, un grupo increíble de personas.

Los otros directores del video musical original, incluyen Aaron Duffy (miren su web) y Bob Partington. El video de una sola toma se hizo en una sola cámara en mano, con 28 diferentes ilusiones creadas en un gigante estudio en Brooklyn. La instalación tomó cerca de tres semanas, con la participación de más de 50 personas. Tim Norwind, el bajista de la banda, piensa que era la más difícil de sus videos – no sólo porque tenía que afeitarse la mitad de la barba debido a la coreografía sino también por los los nueve trajes que cambiaron en tiempo real.

La canción ‘The Writing’s On The Wall’ es el primer sencillo del cuarto y próximo álbum de la banda, “Hungry Ghosts”, que sale el 14 de octubre.

Los ajustes básicos para vídeo con una DSLR

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videodslrLa grabación de vídeo con cámaras DSLR es una realidad. Son muchos los usuarios que se lanzan por una Canon 7D o Nikon 7000 entre otros modelos buscando una opción más económica con respecto a las cámaras de vídeo profesionales. Evidentemente, pese a los grandes resultados que ofrecen hay limitaciones que no podemos obviar.

De todas formas son y seguirán siendo una gran opción, más aún viendo como los fabricantes apuestan por esta función en sus nuevos modelos. Tanto en cámaras como en objetivos más silenciosos para no echar a perder una grabación por exceso de ruido al enfocar. Visto el interés de la función vídeo vamos a ver cómo configurar nuestra cámara DSLR para la grabación de vídeo.

Estilo de imagen

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Lo primero que tenemos que hacer es configurar el estilo de imagen que vamos a usar. Lo ideal es hacer uso de un perfil plano que luego nos permita un mejor etalonaje (procesado de la imagen: color, contraste, saturación…)

Si usas una cámara Canon puedes descargar e instalar el perfil Technicolor que se puso no hace mucho a disposición de los usuarios tras un acuerdo entre ambas empresas.

Si no puedes instalar un nuevo perfil opta por modificar los que vienen ya preinstalados. Elige el perfil neutro, baja la nitidez, el contraste y la saturación. La idea es conseguir una imagen con un ligero tono grisáceo que luego nos permitirá un mejor ajuste en nuestro programa de edición.

Control de luces y el uso de los valores ISO

El siguiente punto es el control de luces. La mayoría de cámaras tienen opciones que permiten activar o desactivar el control de luces. Cuando grabamos vídeo ese control de luces automático puede llegar a resultar muy molesto. Sobre todo si nos movemos entre planos donde haya cambios con fuertes contraluces.

nikonEn cuanto a los ISO hay que procurar usar los valores ISO nativos siempre que sea posible.Principalmente porque el resto de opciones son ni más ni menos que esos mismos valores pero con ganancia subida o bajada de forma digital. Para mantener un rango dinámico adecuado los mejor es usar los ISO nativos. Y si tenemos que decidirnos por otro valor procurar que sean siempre valores ISO donde la ganancia esté bajada, por ejemplo ISO 320.

La regla de los 180 grados

Si hay algo que nos permite la grabación de vídeo con cámaras DSLR es conseguir ese look de cine que tanto gusta, aunque poco a poco esto irá cambiando. Para conseguirlo debemos controlar la apertura del obturador. La regla de los 180 grados consiste en colocar el obturador en un valor doble con respecto el número de fotograbas al que grabemos.

Por ejemplo, si grabamos a 24 o 25 fps nuestro obturador deberá estar en 1/48 o 1/50 respectivamente. Si por su parte estamos grabando a 50 fps el valor será 1/100. Esto nos permite obtener movimientos de la imagen naturales que nos recordarán a esas escenas de cine.

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Extra, Magic Lantern

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Si la cámara es Canon y permite la instalación de firmware no oficial Magic Lantern recomiendo encarecidamente su instalación. Con esta versión modificada las cámaras ganan muchísimas prestaciones, sobre todo a la hora de grabar vídeo.

Y es que nos da un mayor control pudiendo establecer valores como la apertura, diafragma, ISO, etc… de forma más específica para cada situación. Sin duda, ML es lo mejor que podemos instalar en nuestra cámara Canon.

Guía para un buen Chroma Key

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El uso del chroma key o “pantalla verde” cada vez es más popular y conocida en el medio actualmente no solo se lo utiliza para las grandes producciones de cine sino en noticieros, pequeños cortometrajes de ficción y hoy por hoy es una herramienta muy útil para los videobloggers.

Esta técnica fue desarrollada por Larry Butler,  al igual que el “traveling matte technique”, ha permitido que en el Cine y la Televisión brinden la posibilidad de ver escenarios antes inimaginables.

 

A continuación presentamos las recomendaciones básicas para un chroma key impecable.

¿Verde o azul?

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La tendencia del verde como referencia para el fondo, ha cambiado con el tiempo y todavía muchos aseguran tener mejores resultados con el azul, por ser el color complementario del tono de la piel. Sin embargo, el color verde posee mayor capacidad de reflexión (64% luminosidad) y las cámaras son mucho más sensibles a este canal, lo que hace el proceso final más sencillo.

Existen muchos materiales que pueden usarse para construir una pantalla verde. Lo primero es definir el uso, si queremos algo estático o fácil de trasladar al exterior, algo fácil de armar y el tamaño que tendrá el set incluyendo el espacio para las luces, la distancia entre el sujeto y la pantalla, entre otras cosas. Así podremos elegir entre: tela, foam, spandex, madera, cartulina, pintura, etc.

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Claves para obtener mejores resultados

Para lograr mejores resultados debemos evitar que el material sea demasiado brillante, porque produce puntos calientes en la imagen, un tono muy oscuro tampoco funciona bien. En el caso de la pintura se pueden encontrar marcas dedicadas a la producción de este tipo de color especial para Chroma Key. Se necesita que la pantalla tenga una apariencia firme, sin resaltos o arrugas que puedan proyectar sombras y arruinar el efecto.

Ahora, hablemos de la iluminación, el objetivo es lograr consistencia, primero necesitamos pensar en iluminar la pantalla; se sitúa una lámpara a cada lado a unos 15 grados de la misma, la calidad de la luz debe ser suave, se busca que cubra por completo la pantalla y que rebote uniforme, cero sombras para lograr separarla del sujeto. Nuestro talento debe ubicarse mínimo a un metro de distancia de ella y usando la técnica de iluminación de tres puntos, se instala de un lado nuestra “Key Light ” para bañar al sujeto con toda la cantidad luz posible, y del otro, la de relleno que definirá contornos y la superficie del personaje, esta última debe ser de menos intensa que la principal, por lo cual se pone más cerca del personaje.

La decisión final sobre la ubicación de cada fuente de luz se toma observando la escena en cámara, tenemos la responsabilidad de quitar o agregar sombras al sujeto y vigilar que la pantalla no las tenga. Recordemos que al modificar cualquier valor afectamos toda la calibración.

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Como no estamos creando una fotografía y desde el inicio tenemos claro el objetivo de usar el Chroma key dentro del video; el rol del sujeto es activo y clave a la hora de obtener un producto creíble para el público. En este caso hay que dirigir cuidadosamente al talento, brindándole toda la información posible acerca de sus movimientos y expresiones.

Siguiente paso: la postproducción

Los buenos resultados también dependen de la calidad, la resolución y el formato de las imágenes que vamos a usar para reemplazar ese color verde, además cuidarse de no crear contradicciones en la imagen, si no es a propósito. El vestuario, el maquillaje, la decoración son detalles relevantes para respaldar el concepto. Cuidado con los elementos del mismo color de la pantalla, pueden causar dolores de cabeza.

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Ya estamos listos para procesar nuestro material y hacer real el efecto utilizando nuestro software de edición. Una vez más los invito a buscar sus propias configuraciones, y para los que están cansados de usar las mismas fotografías, animaciones, gráficas y demás visiten sitios como: Digital Juice o Video Copilot para adquirir nuevas ;-).