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¿Qué es y cómo funciona el Mapping?

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En diversas ocasiones la gente nos ha preguntado ¿Qué es el video mapping? Explicar el video mapping con palabras es como tratar de describir una pintura, al final del día es mejor verla. Pero, haciendo un pequeño esfuerzo, el término más formal y serio define al video mapping como un método de proyección sobre superficies irregulares, donde un video o contenido en 2D o 3D se adapta a la forma de la superficie creando espectáculos audiovisuales.

Dejando la seriedad de lado, el video mapping te permite proyectar videos sobre algo tan grande como el Palacio de Bellas Artes hasta algo tan pequeño como un florero. No existe límite en los lugares donde se puede proyectar: ¿Se puede hacer un mapping sobre un carro? Sí ¿Se puede hacer un mapping sobre la fachada de mi casa? Por supuesto ¿Se puede proyectar sobre mi rostro? Claro que sí, aunque la luz te incomodaría un poco.

Como les mencioné al inicio, el mapping es mejor verlo que platicarlo, por lo tanto aquí les dejo un ejemplo de esta forma tan increíble de proyección :

 

¿De qué se compone un Video Mapping?

Bueno, ahora que ya sabemos qué es el projection mapping, es importante platicarles, a grandes rasgos, los diversos elementos que lo componen:

  • Superficie de proyección
  • Equipo para proyectar
  • Software para reproducción
  • Contenido

Superficie de Proyección

La superficie es el lugar donde quieres proyectar. No importa si es en exterior como en la fachada de un edificio o en interior como puede ser sobre un escenario. El tamaño no importa, nosotros hemos realizado proyecciones tan grandes como en escenarios de 80×7 metros como en maquetas de 80 centímetros de largo. Por lo general, entre más grande es el lugar de proyección más equipo es el que se ocupará para proyectar.

Es importante saber elegir el lugar donde quieres hacer tu video mapping, ya que este tipo de técnicas lucen más cuando se aprovecha la arquitectura del lugar. Por ejemplo, si quieres proyectar en un edificio se puede aprovechar mucho los marcos de la puerta o de las ventanas, las cornisas, las columnas etc. Si proyectaras sobre un auto es importante jugar con los elementos del mismo como las llantas, la puerta, los espejos, en fin.

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Equipo para proyectar

El equipo de proyección es todo aquel equipo que se utiliza para hacer la proyección una realidad. Se compone principalmente de proyectores, trusses, cables y servidores de video. De los proyectores hay de todo, los hay pequeños como los que encuentras en la sala de juntas de la oficina hasta los más grandes que se utilizan para cubrir edificios. Usualmente el tamaño de la superficie determina el número y tipo de proyectores con los que sales para el evento.

Los servidores de video son el punto de unión entre el equipo de proyección, el software de reproducción y el contenido. Estos equipos son como computadoras que controlan la gran mayoría de los aspectos técnicos del video mapping. Estos servidores de video pueden ser una laptop (para proyecciones pequeñas y de uno o dos proyectores) hasta equipo sumamente especializado para cubrir 8, 10, 20 o hasta 50 proyectores.

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Software para reproducción

El software tiene muchas funciones, una de las principales es la del “mapping” de la superficie. Este proceso de mapeo básicamente le dice al servidor de video cuál es la forma geométrica de la superficie. Por ejemplo, imaginemos que quieres proyectar sobre la fachada de tu casa, pero no quieres que se proyecte nada sobre la puerta principal, el software de mapping te ayuda a delimitar que la proyección sea sobre toda tu casa menos la puerta.

Otra de las funciones es la de reproducción de contenido, es decir, a este tipo de software tú le dices qué video quieres reproducir y en qué sección de la superficie quieres que se vea este video. Este tipo de software es algo especializado, por lo tanto lo suele controlar el proyeccionista o el ingeniero en video mapping.

 

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Contenido

El contenido es básicamente los videos que quieres proyectar en la superficie. Estos videos se hacen con diversas técnicas de animación, algunos son en 3D y otros en 2D. Usualmente se recomienda que el contenido se diseñe con base en la estructura en la cual se proyectará, es decir, si vas a proyectar sobre la fachada de tu casa probablemente quieras aprovechar que tienes dos ventanas y una puerta y hacer contenido específico para las ventanas (tal vez simular que las ventanas se rompen y que por la puerta entra Elvis).

El contenido animado puede ser de lo que tú quieras, pueden ser tan abstractos o tan reales como lo desees. Nosotros como estudio creativo siempre recomendamos contar una historia, por lo tanto usamos técnicas de storytelling que van llevando al espectador a través de un relato audiovisual.

Este ingenioso truco de cámara reinventa el efecto zoom de Hitchcock

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Si has visto la película Vértigo, de Alfred Hitchcock, recordarás el mareante efecto zoom que el director utilizó insistentemente en el film. Es una técnica conocida como travelling compensado, que consiste en combinar un zoom hacia atrás con un travelling hacia delante, o al revés. Ahora, el fotógrafo francés Micaël Reynaud ha combinado ese truco con otra técnica de fotografía llamada slit-scan para crear el psicodélico efecto que ves en la imagen de arriba.

El travelling compensado fue una técnica ideada por Irmin Roberts, cámara de Paramount Pictures. No solo la utilizó Hitchcock en varias de sus películas, también lo hemos visto en decenas de films, incluso recientes como El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo.

Lo que ha hecho Raynaud ahora es combinar esa técnica con la de slit-scan, que consiste en extraer una línea vertical u horizontal de píxeles de cada frame de un vídeo para combinarlas con la imagen original y crear un nuevo vídeo.

Para entendernos: debajo tienes el efecto de travelling compensado utilizado en películas como Vértigo, Psicosis o Apolo 13:

Y este es el efecto de slit-scan, explicado mediante la app Slit-Scan disponible gratis en el App Store:

Si combinamos ambas técnicas, obtenemos el hipnótico resultado ideado por Micaël Reynaud:

A 20 años de Forrest Gump, 20 curiosidades del film, que no sabías.

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A dos décadas del estreno de la película protagonizada por Tom Hanks y basada en la novela homónima, te dejamos algunas curiosidades del filme que posiblemente no conocías.

Este año se cumplen dos décadas desde el estreno de la película Forrest Gump, filme basado en la novela homónima del escritor Winston Groom que contó con la actuación estelar de Tom Hanks, entre otras interpretaciones destacadas.

El largometraje fue todo un éxito en taquilla y recibió alabanzas de la crítica. Para conmemorar su cumpleaños número 20 haremos un repaso por 20 curiosidades sobre este filme que fueron rescatadas del portal El-nacional.com. ¿Cuál llamó más tu atención?

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1. Tom Hanks  se convirtió en el  segundo  actor  en  ganarse  el premio  Oscar de forma consecutiva como Mejor Actor por su trabajo en Forrest Gump. El primer actor en lograr tal hazaña fue Spencer Tracy por Captains Courageous (1937) y Boys Town (1938).

2. Bill Murray, John Travolta y Chevy Chase rechazaron el papel que luego realizó Tom Hanks. John Travolta incluso admitió que no estaba arrepentido de haber rechazado el rol.

3. Tom Hanks pensó que el filme sería “una película de consumir y olvidar”. Nunca imaginó el éxito que tuvo.

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4. En la película, Forrest establece una entrañable amistad en la guerra con el personaje de Benjamin Buford “’Bubba” Blue, con quien habla de establecer un negocio de pesca de camarones, pero Bubba muere en combate. En su honor, Forrest abre la firma Bubba Gump Shrimp Company. En 1996, Viacom funda realmente la cadena de restaurantes Bubba Gump Shrimp Company que, actualmente, cuenta con más de 30 sucursales en todo el mundo.

5. El condado de Greenbow en el estado de Alabama, donde Forrest dice nacer, no existe en realidad.

6. El hermano menor de Tom Hanks, Jim Hanks, dobló muchas de las escenas en las que el actor aparece corriendo.

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7. La razón por la que Forrest habla pausado es porque el actor Michael Conner Humphreys, que interpretó a Forrest de niño, se limitaba a hablar con su voz natural. Así que Hanks optó por imitar su voz para el personaje adulto.

8. La película recaudó $677, 387,716 solamente en taquilla  en todo el mundo.

9. Según el portal  Box Office Mojo Forrest Gump ocupa la posición número 69 entre las 100 películas más taquilleras de la historia.

10. La secuencia donde se muestra a uno de los antepasados de Forrest, surge del clásico The Birth of a Nation de Griffith, con aparición de los racistas del Ku Klux Klan. Incluso esa secuencia se exhibe en blanco y negro con imágenes aceleradas como en un filme de principios del siglo. Esa  película es de 1915.

11. Forrest Gump ganó seis premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director (Robert Zemeckis), y Mejor Actor (Tom Hanks).

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12. En los Golden Globes se llevó los premios a Mejor Director, Mejor Actor en drama y Mejor  Película.

13. Cuando en la película Forrest comienza a correr sin sentido, entre las imágenes de lugares que  se exhiben, hay una en la que está subiendo una cuesta en curva. Esa curva se bautizó como “The Forrest Gump Curve”, La curva de Forrest, y está en “Grandfather Mountain” en  North Carolina.  Es un lugar de peregrinaje para algunos seguidores de la película.

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14. En una escena el personaje de Gary Sinise (Teniente Dan) le dice a Forrest (Hanks) que el día en que sea capitán de un barco pesquero él será astronauta. Al año siguiente, Hanks y Sinise protagonizaron Apolo 13 dando vida a dos astronautas.

15. Cuando a Forrest se lo ve junto a John Lennon en un set de televisión, Forrest habla de cómo era la vida en China, sin posesiones materiales, ni religión. El presentador ahí le dice que es difícil de imaginar mientras John Lennon argumenta  que es fácil si lo intentas. Esta son frases que aparecen en la canción Imagine de Lennon.

16. El  actor Kurt Russell es quien le puso voz al personaje de Elvis Presley al comienzo del filme. Curiosamente Russell encarnó al Rey del rock en una miniserie sobre su vida dirigida por John Carpenter.

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17. Si bien es cierto que el filme tiene sucesos históricos también deja al descubierto varias incoherencias. Por ejemplo, la carta que recibe por parte de Apple data de la fecha del 23 de septiembre de 1975, pero la compañía se fundó un año después.

18. Otra de las incoherencias históricas es sobre el periódico “Usa Today”, diario que fue fundado años después de la línea de tiempo de la trama.

19. Cuando el pequeño Forrest aborda el autobús escolar por primera vez, hay un niño que le niega el asiento. Ese papel es interpretado por Alex Zemeckis, hijo del director del filme.

20. Siempre que en la película Forrest está recordando algo utiliza una camisa azul.

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¿Quién es el director de fotografía?

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El concepto de director de fotografía se refiere a: la creación artística de imágenes para la puesta en escena de producciones cinematográficas, televisivas y de video; para la realización de películas, series, documentales e incluso spots publicitarios.

Dentro de la estructura del equipo de producción, el director de fotografía determina y supervisa los parámetros técnicos y artísticos para la toma de imágenes. En particular, la iluminación, la composición visual y los movimientos de cámara, pudiendo manejarla él mismo o el operador de cámara. El área de responsabilidad del director de fotografía abarca tanto el campo técnico como el artístico, y su labor consiste en crear la visualización cinematográfica en colaboración con el director.

Independientemente de que los trabajos del director de fotografía sean tomados en celuloide, cinta magnética, videodisco u otros sistemas de almacenamiento de imágenes, nos referiremos a ellos utilizando el término “cinematográfico“. Asimismo, cuando decimos “película” entendemos cualquier obra audiovisual, independientemente del soporte utilizado, duración y destino final.

Arte y técnica

La visualización cinematográfica es la parte de la actividad creativa en la que el director de fotografía ejerce una influencia importante. A pesar de su evidente carácter creativo, esta profesión se suele considerar básicamente técnica. Quizás esto fuese cierto en los comienzos de la industria, ya que “el hombre de la cámara”, constituía un verdadero espectáculo y su equipo, muchas veces fabricado por él mismo, era francamente dificil de manejar.

Actualmente, el equipo es sólo un punto de partida. El material es más fiable, con técnicos de cámara e iluminación que se encargan de su correcto funcionamiento. Hoy en día, el director de fotografía dispone de más posibilidades para expresarse artísticamente debido, sin duda, al gran avance de la tecnología, aunque de cualquier forma, siguen siendo necesarios los conocimientos técnicos para el trabajo con la cámara.

El director de fotografía ejerce con su trabajo una enorme influencia en el proceso creativo, donde existen determinadas áreas en las que se pone claramente de manifiesto criterio y responsabilidad. En el terreno de la creación artística, los límites de su actuación son difíciles de definir, ya que muchas veces su actividad se solapa con la dirección o con la dirección artística. La responsabilidad fundamental del director es la puesta en escena de la película, mientras que la del director de fotografía es la de colaborar en la planificación, composición de los diferentes encuadres y en la iluminación de cada plano. Si se establece una relación fluida, el director de fotografía influye determinantemente en la puesta en escena de la película, así como el director también influye en su visualización. De la colaboración entre ambos debe surgir un trabajo unificado e incluso una creación mutuamente inspirada.

Responsabilidades

El director de fotografía es la autoridad técnica antes de empezar a rodar. Sus decisiones, basadas en su intuición visual y su preparación conceptual se materializan de una forma real al rodar. Muchas veces, los esfuerzos creativos y técnicos de todo el equipo dependen de su buen hacer, siendo en ocasiones el responsable de las emociones que se producen en el espectador, al dirigir de una manera acertada el foco de atención, provocando sensaciones de alegría, miedo o suspenso. Por lo tanto, las decisiones tomadas por el director de fotografía pueden tener una influencia muy significativa en el éxito o fracaso de una película. La esfera de actuación del director de fotografía abarca todas las fases de la producción, desde la preparación y rodaje, hasta la finalización.

La preparación comienza normalmente varias semanas antes del rodaje. En ella se determinan los principios fundamentales de la estructura de la película y se toman decisiones sobre el equipo técnico y artístico. En este período, el guión se convierte en el principal punto de referencia para todos los miembros del equipo. Durante su desglose se van teniendo en cuenta los problemas a resolver, así como las diferentes técnicas a utilizar. Se mantienen numerosas conversaciones con el director sobre posibles cambios, conceptos dramáticos y de estilo, sugerencias sobre el reparto, etc. Mientras, con el departamento de producción se trabaja en el presupuesto, plan de trabajo, selección de los diferentes elementos técnicos, etc. Se estudian con el director artístico las diversas locaciones tanto exteriores como interiores, así como la realización técnica y artística de los decorados, teniendo en cuenta el tipo y emplazamiento de las fuentes de luz, además del concepto general del color. Con los estilistas y maquilladores se estudia el color del vestuario y los maquillajes más adecuados. En esta fase, el director, el director de fotografía, director artístico y productor estudian las diferentes posibilidades y hacen la selección final de las locaciones. También tienen lugar las primeras conversaciones sobre planificación. El director de fotografía comienza a trabajar en el concepto de la iluminación y determina la hora adecuada para el rodaje de cada secuencia en función de la posición del sol y otros condicionamientos. Se toman decisiones sobre las cámaras, tipo de película, material de iluminación y maquinista, además de seleccionar el laboratorio. Se ruedan pruebas de vestuario y maquillaje. Se comprueba el perfecto funcionamiento de la cámara, sometiendo a los objetivos a unos tests precisos para verificar su buen estado, comprobándose también la respuesta de las diferentes emulsiones en el laboratorio.

El rodaje es, sin duda, la fase decisiva en la producción de una película. La planificación de las secuencias exige un análisis concienzudo de los elementos dramáticos del guión para conseguir su adecuada utilización visual. El director y el director de fotografía estudian juntos la estructura de cada secuencia, decidiendo desde qué perspectiva la va a experimentar el espectador. Si será rodada en varios planos rápidos o por el contrario será resuelta con un lento movimiento a través del decorado. Si será contada en primeros planos o en planos generales… Del éxito de esta colaboración depende en gran manera la fluidez del rodaje. En esta fase se determinan los elementos esenciales que conformarán la película, como su duración, clima y ritmo. El director de fotografía tiene una gran influencia sobre el espectador y su respuesta emocional. Esta puede ser motivada por la elección de los diferentes objetivos, los movimientos de cámara o por medio de la angulación y altura de la cámara. La luz es responsabilidad total del director de fotografía y se considera habitualmente como su aportación más importante. La relación creativa de luces y sombras, teniendo en cuenta direcciones, tipos e intensidades de las fuentes luminosas, junto con el color, proporciona múltiples posibilidades creativas que afectan tanto a la atmósfera dramática, emocional y estética requerida por la secuencia, como al realce dramático de los actores y decorados. El efecto dramático y emocional de una imagen se puede alterar mediante la utilización de filtros y el tratamiento del color. Estos efectos se pueden conseguir filtrando la luz o usando filtros en la cámara. Antiguamente el trabajo de efectos especiales se hacía preferentemente en la cámara. Hoy en día, gracias a los espectaculares avances de la tecnología, la mayoría de los efectos se hacen en el proceso de postproducción. Asimismo, el director de fotografía debe asumir su parte de responsabilidad en que los costos de su departamento no excedan el presupuesto de forma imprevista.

La postproducción abarca las fases de montaje, realización de efectos especiales y sonorización. Durante este periodo la actuación del director de fotografía es sólo ocasional hasta que llegue el momento del tiraje de copias o la realización del telecine. Su labor puede incluir la supervisión del rodaje de efectos especiales o maquetas, a menudo rodadas por un segundo equipo. Antes del tiraje de las copias para las salas de exhibición, el director de fotografía debe ajustar el color y la luminosidad de cada uno de los planos para que el paso de uno a otro sea fluido, aunque en realidad hayan sido rodados en circunstancias muy diferentes. Es lo que llamamos etalonaje. Todavía en esta fase se pueden tomar algunas decisiones creativas variando los filtros de color y las intensidades de luz de la positivadora. En este punto termina el proceso de creatividad fotográfica de una producción. La última actuación del director de fotografía consiste en dar la aprobación final a las copias y al telecine de la obra realizada.

Aprendizaje

La mayoría han llegado a esta profesión tras un largo período de aprendizaje trabajando a las órdenes de otros que han sido sus maestros. Además de unos buenos conocimientos técnicos en el campo fotográfico, un director de fotografía debe desarrollar ampliamente el sentido de la vista, es decir “saber ver” de una manera especial y crítica. Una completa formación general, sobre todo en el campo pictórico y estilístico, le ayudará en la búsqueda de su propio estilo. Necesitará también cierta capacidad para soportar el stress físico y psicológico que generalmente acompaña a esta profesión. Como todo trabajo en equipo se necesita cierta destreza diplomática y habilidad para imponerse, además de aptitudes de organización. La formación de un director de fotografía no se termina nunca. Debe estar continuamente atento a las tendencias fotográficas siguiendo de cerca el trabajo de sus colegas y estudiando detalladamente las constantes innovaciones técnicas que se dan en el sector.

¿Qué es un Teleprompter?

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Teleprompter o apuntador óptico, es una herramienta de lectura, que se utiliza para poder seguir un discurso o texto en una pantalla o espejo, permitiendo a la persona tener un apoyo que le brinde confianza y seguridad al momento de hablar, ya sea en un discurso o en una grabación de videoclips.

Ocupado en cine, television, videos corporativos, conciertos y eventos en general, ya sea para dar un discurso ante una audiencia en un auditorio, salon o convencion, esta herramienta brinda al usuario un contacto visual directo con su audiencia lo cual permite establecer una relación de significados comunes entre ambas partes. En otras palabras, hay un intercambio semántico de fácil comprensión para quien habla y quien escucha.

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Existen dos tipos de teleprompter, los presidenciales o también llamados de podium y los de cámara.

El teleprompter de podium o presidencial son aquellos que se ocupan para los eventos en los que se tiene un orador al frente de una audiencia en vivo , ya sean eventos sociales, exposiciones, convenciones, platicas o cualquier otro evento en vivo.

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En este caso el teleprompter sera alineado para la lectura correcta, debe ser colocado de 1.5 a 2 m del orador, con una inclinacion del espejo a 45º para que pueda leer sin problemas lo que el monitor en el piso refleje. Cuando el orador cambia su vista del espejo derecho al izquierdo (por ejemplo), “baña” con su mirada 90º de audiencia al centro.

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Si un orador debe leer, es mejor que lea 2 espejos levantando su mirada, en vez de unas tarjetas en su atril bajando la mirada.

En el caso de los teleprompters de cámara son ocupados para grabaciones de programas de televisión, capsulas de video, noticieros, y muchas otras aplicaciones para televisión, tambien se ocupan en producciones corporativas, para mensajes, cursos de inducción y videos corporativos en general.

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Este tipo de teleprompters son montados sobre un tripié que soporta una plataforma en la que se monta espejo, monitor y cámara. El espejo de características especiales, del lado de la cámara es traslúcido y del lado del conductor es reflectivo.

No cualquier espejo sirve para un teleprompter, estos son de fabricación especial y su relación reflectividad/traslucidad debe ser 70/30 o 60/40 con un espesor de 3 mm y super transparentes para que el diafragma de la cámara, no detecte la presencia del espejo o en todo caso solo reduzca 1/3 o 1/2 paso de diafragma.

La plataforma o mounting plate debe tener adaptadores para cualquier tipo de cámara, sea una handycam o una Arri 635.

Los programas de trabajo o software son los que nos permiten importar los discursos o guiones que le da nuestro orador o conductor, los hay muy sencillos o tremendamente sofisticados. Hoy en día un programa de trabajo, se puede operar desde un teléfono movil pero para una producción de video o cinematográfica o un discurso ante una audiencia en vivo, se requiere de un programa de trabajo potente que nos de la posibilidad de importar textos tan grandes como la producción lo requiera en cuestión de segundos y adicionalmente que tenga la potencia para hacer todas las modificaciones en el programa mismo, sin tener que salir de él para modificar la fuente, tamaño, color o edición en general. Para una producción profesional hay que usar un software profesional.

¿Qué es un film noir?

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Gracias a Corinne y a su ensayo sobre el film noir, podemos entenderlo de manera clara:

“En varias ocasiones lo menciono como un género per se, sin embargo, más bien es un conjunto de características que definen una ambientación, una sensación, un mood. El término lo inventó el crítico Nino Frank viendo los elementos comunes de algunas películas que se estaban produciendo en Hollywood (y no sólo, pero sobre todo) en la era de la II Guerra Mundial.

Gloria Swandon - Sunset Boulevard - Billy Wilder - 1950
Gloria Swandon – Sunset Boulevard – Billy Wilder – 1950

Entonces, ¿cuáles son esos elementos que conforman esta estética tan particular? En general, y por lo que Nino Frank acuñó el término, es por la fotografía en blanco y negro con altos contrastes, iluminación en chiaroscuro y ángulos expresionistas (Fritz Lang es uno de los directores que importó esa visión expresionista alemana a Estados Unidos), donde vemos que predominan las sombras y las zonas de oscuridad. Las escenas se rodaban en interiores con una sola fuente de iluminación, ventanas con persianas haciendo juegos geométricos, creando una atmósfera altamente claustrofóbica. Los exteriores son, en su mayoría, paisajes urbanos filmados de noche, con muchas sombras, luces de neón combinadas con las luces de los coches que pasan, el asfalto mojado, la ciudad sin duda es un personaje constante, sea cual sea ésta ciudad: hemos visto Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, Londres, París, Tokio y tantas otras).

femme fatale - Rita Hayworth (La Dama de Shangai - Orson Welles - 1947)
femme fatale – Rita Hayworth (La Dama de Shangai – Orson Welles – 1947)
Barbara Stanwyck en Double Indemnity (Billy Wilder, 1944)
femme fatale – Barbara Stanwyck en Double Indemnity (Billy Wilder, 1944)

En este tipo de películas se ven a menudo historias donde el personaje principal, normalmente un hombre cínico, obsesivo, desilusionado y alienado debe enfrentar situaciones que, en la mayor parte de las veces, conlleva un homicidio. No es una persona que busque el bien común, sólo busca su bienestar o su mera sobreviviencia. Su moralidad es dudosa, ya que no siente que haya importancia en estar ya sea de un lado o del otro de la legalidad. En muchos casos su perdición llega en forma de una mujer muy bella, la famosa femme fatale, que lo induce a actos que definirán su destino (muchas veces no es uno feliz). Y sí, en el noir percibimos toda la fuerza misógina de esa época donde la mujer no tiene escapatoria: o es una buena y dedicada ama de casa o es una pérfida que utiliza toda su sexualidad para perder a los hombres. Sin embargo nos encontramos con obras como The Big Heat donde se evidencia que la misma sociedad es misógina y cruel, dando a entender que, en realidad, las mujeres no tienen un verdadero espacio propio.

The Hard Boiled Detective
The Hard Boiled Detective

Lo que me gusta de los noir es el sentido deshumanizante que se percibe, puede ser que sea por la época de guerra y cuando prevalecía una gran pérdida de sentido. Se siente desde el inicio esa atmósfera opresiva, pesimista, fatalista y de extremo existencialismo. Inicias la película sabiendo que no terminará bien (y pensar que Hollywood se caracterizó por el happy ending) y en muy pocas ocasiones te contradicen. Sabes que los personajes están perdidos, que la sociedad en la que viven no le da lugar más que a la tragedia. Es el sentido triste y desesperanzador de la guerra.

film noir en Tokio
film noir en Tokyo

Creo que Hollywood llegó a su ápice en este período, entregándonos obras (muchas veces de bajo costo) con gran intensidad en manos de los más grandes directores que trabajaban en los estudios. Entre ellos destacan Billy Wilder, John Huston, Jules Dassin (aunque también trabajó en Europa realizando dos de las más grandes películas noir que he visto: Rififi y Night and the City), Fritz Lang, Orson Welles (quien creó deliciosas e intensas obras), Howard Hawks y claro está, Alfred Hitchock, entre otros. En Europa Jean Renoir, Marcel Carné, Carol Reed, Henry-Georges Clouzot, Jean-Pierre Melville impregnaron la visión de entre guerras, así como de la vivencia de la guerra y de la post-guerra. Claro, no puedo olvidar al gran Akira Kurosawa que nos dejó unas verdaderas joyas cinematográficas.

A manera de conclusión quería aclara que en realidad el término film noir no tiene límites definidos y que todavía está en debate cuáles son las características que lo componen. Más bien tiene que tener ese mood, tiene que sentirse como tal. Cuando vean una cinta de estas sólo disfrútenla y déjense llevar a ese mágico y escabroso mundo.

Aquí les dejo el enlace a la página de Wikipedia con la lista de los noir realizados a lo largo de la historia del cine.”

Los ajustes básicos para vídeo con una DSLR

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videodslrLa grabación de vídeo con cámaras DSLR es una realidad. Son muchos los usuarios que se lanzan por una Canon 7D o Nikon 7000 entre otros modelos buscando una opción más económica con respecto a las cámaras de vídeo profesionales. Evidentemente, pese a los grandes resultados que ofrecen hay limitaciones que no podemos obviar.

De todas formas son y seguirán siendo una gran opción, más aún viendo como los fabricantes apuestan por esta función en sus nuevos modelos. Tanto en cámaras como en objetivos más silenciosos para no echar a perder una grabación por exceso de ruido al enfocar. Visto el interés de la función vídeo vamos a ver cómo configurar nuestra cámara DSLR para la grabación de vídeo.

Estilo de imagen

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Lo primero que tenemos que hacer es configurar el estilo de imagen que vamos a usar. Lo ideal es hacer uso de un perfil plano que luego nos permita un mejor etalonaje (procesado de la imagen: color, contraste, saturación…)

Si usas una cámara Canon puedes descargar e instalar el perfil Technicolor que se puso no hace mucho a disposición de los usuarios tras un acuerdo entre ambas empresas.

Si no puedes instalar un nuevo perfil opta por modificar los que vienen ya preinstalados. Elige el perfil neutro, baja la nitidez, el contraste y la saturación. La idea es conseguir una imagen con un ligero tono grisáceo que luego nos permitirá un mejor ajuste en nuestro programa de edición.

Control de luces y el uso de los valores ISO

El siguiente punto es el control de luces. La mayoría de cámaras tienen opciones que permiten activar o desactivar el control de luces. Cuando grabamos vídeo ese control de luces automático puede llegar a resultar muy molesto. Sobre todo si nos movemos entre planos donde haya cambios con fuertes contraluces.

nikonEn cuanto a los ISO hay que procurar usar los valores ISO nativos siempre que sea posible.Principalmente porque el resto de opciones son ni más ni menos que esos mismos valores pero con ganancia subida o bajada de forma digital. Para mantener un rango dinámico adecuado los mejor es usar los ISO nativos. Y si tenemos que decidirnos por otro valor procurar que sean siempre valores ISO donde la ganancia esté bajada, por ejemplo ISO 320.

La regla de los 180 grados

Si hay algo que nos permite la grabación de vídeo con cámaras DSLR es conseguir ese look de cine que tanto gusta, aunque poco a poco esto irá cambiando. Para conseguirlo debemos controlar la apertura del obturador. La regla de los 180 grados consiste en colocar el obturador en un valor doble con respecto el número de fotograbas al que grabemos.

Por ejemplo, si grabamos a 24 o 25 fps nuestro obturador deberá estar en 1/48 o 1/50 respectivamente. Si por su parte estamos grabando a 50 fps el valor será 1/100. Esto nos permite obtener movimientos de la imagen naturales que nos recordarán a esas escenas de cine.

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Extra, Magic Lantern

ML

Si la cámara es Canon y permite la instalación de firmware no oficial Magic Lantern recomiendo encarecidamente su instalación. Con esta versión modificada las cámaras ganan muchísimas prestaciones, sobre todo a la hora de grabar vídeo.

Y es que nos da un mayor control pudiendo establecer valores como la apertura, diafragma, ISO, etc… de forma más específica para cada situación. Sin duda, ML es lo mejor que podemos instalar en nuestra cámara Canon.